ENTREVISTAS

JOSÉ SALDARRIAGA - Brevitate Vitae

2012-01-26T19:00:00.000-08:00

GAM KLUTIER

2012-01-08T19:09:00.000-08:00

CECILIA CARRION - INTERMITENCIAS

2012-01-08T05:38:00.000-08:00

FOTOGRAFIA EN BLANCO Y NEGRO DE BIBIANA JÁUREGUI

2011-11-29T07:34:00.000-08:00

UNA SESIÓN AMBULANTE

Por: Jorge Castilla-Bambarén

¿Cómo nació la idea de hacer esta serie de fotografías?

La idea partió de la bailarina que aparece en las fotos. Ella había visto un proyecto parecido en alguna página del exterior y quería una sesión similar así que busqué lugares precisos donde se pudiera combinar creativamente el bello arte del ballet con la ciudad.
Fotografiar a una bailarina clásica por la ciudad y en lugares públicos es una experiencia interesante, pues creas un contraste entre el caos-dinamismo de la urbe, el tráfico, los espacios públicos poblados y la equilibrada solitaria e inquietante figura de la bailarina. ¿Cómo fue para ti esta experiencia de trabajo?

En verdad me encantó, soy bailarina clásica y estuve totalmente conectada con la experiencia por esta razón, además a los bailarines siempre nos gusta disfrutar de nuestro etéreo “mundo paralelo” mientras los demás corren en su agitado y rutinario mundo laboral y este contraste lo vivimos por completo durante la sesión. La complicidad entre la bailarina y fotógrafo era indispensable.

Cómo planificaron la sesión de fotos (que tengo entendido duro mas de 3 horas y demando el desplazamiento de Uds. por diferentes lugares del distrito de Miraflores) ¿Cuéntanos al respecto?Bueno ella es una de mis mejores amigas Andrea Hein, (Primera Solista) así que todo fluyo muy fácilmente. La sesión se fue dando espontáneamente en realidad, lo único planificado fue el punto de encuentro. Y sí, hemos ido caminando por donde se me iban ocurriendo lugares ideales para que ella posara. La sesión duro casi 4 horas y terminamos exhaustas pero nos divertimos mucho y eso es lo más lindo de tomar fotos para mí, poder disfrutar mi trabajo.

La fotografía en blanco y negro es donde te sientes mas cómoda para tu expresión personal¿Qué temas o motivos atraen tu atención?Me gusta a parte del ballet y el movimiento en si fotografiar retratos tanto de personas (rostros, cuerpos) como de animales (que son mi fascinación dicho sea de paso). Me gusta el claro oscuro, poder captar esas imágenes donde la luz natural genera una serie de sombras tan ricas e interesantes que le agregan a la fotografía todo un contenido emocional. Ultimamente me llaman la atención aquellas escenas urbanas inéditas, irrepetibles, que para mí valen por lo raras o curiosas, por ejm una ardilla caminando por un cable de luz, en plena avenida, o una familia de la sierra con su completa y colorida indumentaria contemplando el mar; suceden miles de estas escenas a cada rato.

Bibiana eres además de excelente fotógrafo una bailarina clásica y maestra de danza a esto se une tu profesión la psicología. ¿Cómo nació tu interés en la fotografía donde estudiaste? ¿Quienes son tus fotógrafos preferidos?

En realidad las tres son mis profesiones. Soy Licenciada en Psicología Clínica y estudié en la PUCP. Trabajé por diez años hasta comienzos del 2010, como bailarina profesional en la Compañía del Ballet Municipal de Lima. Respecto a la fotografía he seguido talleres de lo que me interesa en Centro de la Imagen y Corriente Alterna, otros cursos independientes y asistido a diferentes Workshops. Y como nació mi interés? Bueno mis padres siempre nos tomaban fotos y supongo que desde ahí me familiaricé con las cámaras, además mi madre era una artista por donde la mirases y seguro me inspiró para “ver más allá” de lo que estoy fotografiando. Y lo comencé a hacer ya en serio en el ballet, al ver tantos instantes estéticamente fabulosos, quise capturarlos tal cual en imágenes perdurables y tangibles. Sobre mis fotógrafos preferidos te podría citar a Albert Watson por ejemplo, fue uno de los primeros que me llamo la tención pero en general hay muchos que me encantan que ni siquiera son conocidos cuyas fotos son espectaculares.

La psicología esta presente en alguna manera en tu trabajo visual? ¿Qué otras cosas sientes influencian tu arte fotográfico? (autores lecturas o filosóficas) y o el cine poesía, literatura.

Si, de hecho la psicología es algo que aflora en mi incluso desde antes que la siguiera profesionalmente. Para realizar una sesión de retrato por ejemplo, recurro a ese bagaje para sacar de esa persona lo que requiero, me refiero a estados emocionales que finalmente se vean reflejados genuinamente en la imagen y que no sean solo un vacío artificio. Soy completamente cinéfila y de hecho hay imágenes preciosas en algunas películas que seguro me han inspirado. Uno tiene todo un repertorio en el subconsciente de miles de cosas que ha visto en su vida que al final guían de manera inconsciente lo que se va a fotografiar. Particularmente soy muy sensible a los diferentes estados emocionales de todos los seres así como a la belleza en todas sus formas y esto me inspira mucho.

Para una bailarina la música es muy importante (además de lo clásico que es tu mundo en la danza) que otros estilos de música te gustan? rock,blues jazz? ¿Y cuáles compositores clásicos son tu preferidos?

Aunque no lo creas me encanta la música electrónica porque es muy corporal, sigue el ritmo del corazón. El rock en general me gusta sí. Puede haber otros estilos que son muy rítmicos, por ejemplo la música negra, la árabe, etc. que también me gustan mucho. Uno de los compositores que más me llama la atención es Claude Debussy por lo abstracto de sus melodías, no tengo uno preferido, me gustan diferentes piezas de aquí y de allá.

Finalmente me cuentas que al casi terminar la sesion aparecieron unos fotógrafos turistas japoneses y que se relacionaron con uds de manera muy simpático ¿Cómo fue eso?
Aparte de esta anecdota hubo alguna otra con el publico en las calles ,Como era la reaccion en general del publico. Sí, fue muy simpático el tema, toda una delegación japonesa miraba maravillada a Andrea posar y no pudieron más que algunos se me acercaron a pedirme permiso para tomarse foto con ella. A parte de eso en general la gente se nos quedaba mirando, los carros sobre paraban, decían piropos (ya te imaginarás a Andrea en mallas en plena avenida), y fue muy gracioso que algunos vigilantes fotografiaban a Andrea con su celular.

En que exposiciones has participado últimamente. Y qué planes o proyectos futuros tienes con la fotografía ?

www.bibianajauregui.blogspot.com

He participado en una muestra colectiva de pintura y fotografía en la sala de arte contemporáneo Carlos Tinning en Magdalena y en la inauguración del salón de fotografía del Centro Colich en Barranco. Sobre mis planes pues continuar con lo que estoy haciendo. Me gustaría realizar un proyecto de bailarines durante las clases y ensayos donde se pueda transmitir todo el trabajo muscular y el esfuerzo que demanda esta disciplina. Y me interesa mucho un proyecto a través del cual pueda crear conciencia para el mejor trato del hombre hacia los animales, en una foto puedes encontrarte cara a cara por ejemplo con la mirada limpia e inocente de un perro, lo cual no muchos han tenido la suerte de observar o de querer observar.
Muchas gracias por la entrevista Jorge

AMELIA ERRAZURIZ - D-ESTRUCTURAS

2011-11-20T16:04:00.000-08:00

LAURA DELGADO EN ITINERARIA

2011-11-08T08:02:00.000-08:00

ITINERARIA - LA ENTREVISTA

2011-11-08T07:59:00.000-08:00

LICY RAMIREZ EN GALERIA DELBARRIO

2011-11-08T07:57:00.000-08:00

CHARO NORIEGA - ERGO SUM - LA GALERIA

2011-10-31T05:35:00.000-07:00

JAIME DOMENACK EN BRUNO GALLERY

2011-10-31T05:31:00.001-07:00

NIÑO PUEBLO EN GALERIA DELBARRIO

2011-10-24T06:22:00.000-07:00

MELISSA MATIAS EN LA ALIANZA FRANCESA

2011-09-28T07:33:00.001-07:00

ALEJANDRO VARELA en Fundación Euroidiomas

2011-09-10T14:15:00.000-07:00

LIMA GOTIKA de MIGUEL LESCANO

2011-09-10T14:13:00.000-07:00

Rodrigo La Hoz - Shanty Down

2011-06-10T14:34:00.000-07:00

SOLSTICIO EN GALERIA EIFFEL

2011-05-22T17:23:00.000-07:00

CARLOS QUINTANA EN GALERIA ENLACE

2011-05-04T11:08:00.000-07:00

JAZZ PERU EN GALERIA ENLACE

2011-04-30T07:34:00.000-07:00

EL VESTIDO No hay puntada sin hilo

2011-04-27T19:47:00.000-07:00

SALON DE ARTE y FOTOGRAFIA

2011-04-21T07:04:00.000-07:00

RADOSLAV Croata

2011-04-09T06:05:00.000-07:00

SALON DE FOTOGRAFIA EN GALERIA DE CENTRO COLICH

2011-03-12T20:26:00.000-08:00

FESTIVAL DEL PISCO PERUANO-LA ENTREVISTA

2011-03-08T17:56:00.000-08:00

RICARDO WIESSE

2011-01-12T19:58:00.000-08:00

RICARDO WIESSE EN GALERIA AMARANTO

2011-01-07T16:43:00.000-08:00

ENTREVISTA A RAMIRO LLONA

2010-12-08T06:50:00.001-08:00

GACHI PRIETO EN LIMAPHOTO 2010

2010-11-21T16:24:00.000-08:00

DIEGO PEUSER EN LIMA

2010-10-23T13:49:00.009-07:00

ENTREVISTA A DERMIS LEON

2010-10-23T13:49:00.007-07:00

ENTREVISTA AL FUNDADOR DE SANESOCIETY.ORG, TALENTSEEKERS.NET Y MERKOPOLIS.COM

2010-10-23T13:49:00.005-07:00

SaneSociety.org, una de las redes sociales pioneras en Internet y TalentSeekers.net, el buscador de talentos, están en venta. Ambos proyectos, orientados a servir a la comunidad artística internacional, comparten una base de datos de más de 100.000 contactos en el mundo del arte, la música y la literatura y cuentan con el apoyo de miles de artistas de más de 100 países. Con motivo de esta venta y del lanzamiento de un nuevo portal, Merkopolis.com, entrevistamos a Arturo Tirador, fundador de los tres proyectos.

Llevas trabajando en el mundo del arte en Internet desde el año 2000 ¿Qué balance haces de esta última década?

El logro más importante a título personal ha sido contar con la confianza de un equipo de personas extraordinario con el que he podido desarrollar diferentes proyectos. Han sido decenas las personas que desde diferentes países han colaborado conmigo a lo largo de casi una década. El hecho de que haya sido la ilusión y no el dinero lo que ha mantenido a este equipo unido hace que el logro sea aún más increíble. Somos una especie de voluntarios culturales y sin duda esta es una de las razones por las que nos hemos ganado el respeto de tantos artistas. Yo soy de la opinión de que el éxito no se mide exclusivamente en términos mercantilistas. Triunfar, ante todo, es ser útiles a la sociedad.

¿Pero de algo tendréis que vivir?

El arte, como campo profesional, no es nada fácil e Internet tampoco. La motivación ha de ser más profunda, más pura, que la meramente económica. Aunque pudiera parecer lo contrario si uno se guía por los titulares de prensa, obtener un retorno comercial con el arte o con Internet es un lujo del que muy pocos disfrutan. Por fortuna, crear es suficiente recompensa para la mayoría de los artistas y, en cierto sentido, yo siento mis proyectos en Internet como si fueran obras de arte; obras que cobran vida propia en manos de los usuarios. Dicho esto, también existen oportunidades de negocio para quien sepa aprovecharlas.

Tengo entendido que antes trabajabas en el mundo de la música en Londres ¿Era este también un sector difícil?

Sí lo era. En el mundo discográfico las inversiones eran más fuertes y las apuestas por nuevos talentos daban siempre un balance de más fracasos comerciales que éxitos, incluso para las grandes multinacionales. Ahora bien, los éxitos podían reportar importantes beneficios. Además, en mi caso, yo tenía estudios de grabación y cobraba una cantidad fija por mi tiempo, por lo que el riesgo era menor, una vez lograbas hacerte un nombre. En Londres fue donde desarrollé mi vocación por apoyar a nuevos talentos y tuve la suerte de grabar a grandes artistas de la época, algunos de los cuales habían sido mis ídolos de juventud y otros tantos comenzaron con nosotros y alcanzaron el éxito comercial simultáneamente al nuestro. Sin duda fue una época muy especial.

¿Puedes mencionar a algunos de los artistas que grabaron en tus estudios?

La lista es muy larga y abarca desde grupos noveles en su día, como Jamiroquai o Primal Scream, a músicos consagrados de bandas legendarias, como Spandau Ballet o The Smiths. Déjame que te cuente una anécdota curiosa. Jimmy Destri, miembro fundador de Blondie, entró en mi oficina un día para alquilar el estudio. Yo tenía un calendario en la pared donde venían marcadas las sesiones que habíamos vendido. Él eligió un mes en el que apenas había 4 o 5 fechas vendidas. Dijo que lo quería entero, con la condición de que alquilase el estudio exclusivamente para él. Le dije que no podía hacerlo sin el permiso de los clientes que habían comprado esas fechas, pero que me diera 24 horas para hablar con ellos y le daría mi respuesta entonces. En ese tiempo logré persuadir a todos los grupos para que pospusieran sus grabaciones a cambio de fuertes descuentos o transfirieran sus sesiones a otros estudios de un rango superior al mío con los que pacté un precio especial. Jimmy Destri se sint ió tan impresionado por haber arriesgado la venta de todo un mes por respetar los derechos de esos artistas que me dijo que si algún día necesitaba un favor, no dudase en llamarle. Pues bien, 15 años después, durante los cuales no he tenido contacto alguno con él, le pedí ser jurado de Talent Seekers y a los pocos minutos de enviar mi petición a través de MySpace, se dio de alta. Creo que esta historia refleja bien la importancia de trabajar en base a unos principios y no por motivaciones exclusivamente económicas.

¿Por qué dos proyectos distintos para una misma comunidad de artistas? ¿Cuál es la diferencia entre Talent Seekers y Sane Society?

Sane Society busca promover el intercambio de ideas con el fin de que cualquier persona con inquietudes creativas pueda exponer su obra y comunicarse a través de ella con otros artistas. No hace falta ser un Picasso para inspirar a los demás y merecer unas palabras amables de aprecio. Todos tenemos algo interesante que decir e Internet es un medio ideal para demostrarlo. Crear debería ser una acción tan habitual como hacer deporte, un acto sano para el espíritu. Talent Seekers, por otra parte, busca generar oportunidades profesionales para aquellos pintores, músicos, escritores, etc. que se hayan ganado el favor del público, de la comunidad artística y de nuestro panel de expertos en cada uno de esos sectores. Son dos conceptos muy diferentes, si bien ambos tienen un objetivo en común: que el talento no pase desapercibido y quede constancia del mismo. Esto, que hoy en día damos por supuesto, diez años atrás no era tan obvio. Entonces no existían los MySpace, Facebook o YouTube. Entonces era un mundo nuevo prácticamente por inventar.

¿Es esa la razón por la que ambos proyectos tienen una identidad tan particular?

Sane Society y Talent Seekers te pueden gustar o disgustar más o menos, pero desde luego nadie puede acusarnos de haber sido imitadores. No hay proyecto que no tome alguna idea prestada. Lo contrario sería poco razonable. Sin embargo, lo que resulta tremendamente aburrido es la cantidad de páginas web que son una mera reproducción de otras ya existentes. La gente se ha vuelto demasiado pragmática. A mí me resulta mucho más excitante crear algo nuevo que surge de tu propia mente, y donde otros ven defectos, yo veo carácter e identidad. Hay ocasiones – no siempre – en las que me he guiado más por criterios artísticos que prácticos y soy consciente de que he pagado un alto precio por ello.

¿Por qué razón entonces pones en venta ambos proyectos?

Básicamente por lo que te acabo de decir, porque soy consciente de que tanto Sane Society como Talent Seekers tienen un potencial mucho mayor del que nosotros hemos logrado desarrollar y para alcanzarlo es necesario que intervengan nuevos actores con mayores recursos y con una visión diferente, supongo que más pragmática. La venta no fue mi primera opción. Inicialmente intenté crear una asociación con otras empresas líderes en cada uno de los sectores donde nosotros trabajamos (fotografía, literatura, música, video, pintura, etc.), pero no logré materializarla. Conseguí el apoyo de una de las empresas líderes a nivel mundial en fotografía, pero para que la idea funcionase necesitábamos algunas más. De hecho, sigo abierto a posibles colaboraciones con un socio de referencia como alternativa a la venta. Tras una década de absoluta dedicación, lo importante para mí es asegurar un buen futuro para ambos proyectos. La fórmula para lograrlo – sociedad, patrocinio, venta – es un asp ecto secundario.

¿Cual crees que será ese futuro al que te refieres?

Ese futuro dependerá de la visión y capacidad del nuevo gestor. Son muchas las cosas que se pueden hacer, pero hacen falta recursos. Hay que tener en cuenta que Sane Society fue concebida como una “ciudad” para artistas y lo que mi equipo y yo hemos construido se parece más bien a un “pueblo”, que está muy bien, pero no deja de ser una materialización parcial de mi visión. Por otra parte, Talent Seekers nació con vocación de convertirse en el mayor buscador de talentos en Internet y creo que cuenta con todos los ingredientes para llegar a serlo.

He visto que has anunciado la venta de Sane Society y Talent Seekers en Merkopolis y me ha resultado sorprendente que declares abiertamente una reducción semanal del precio. ¿No es esto un tanto inusual?

Yo siempre he defendido la transparencia como un valor y no veo por qué hemos de ocultar un dato tan relevante. Además de que no es fácil valorar a priori este tipo de proyectos, al final es siempre el mercado quien decide. Quien pueda y no quiera arriesgar comprará ahora y quien no pueda y quiera, esperará a que el precio baje. Si estableciéramos un precio basado exclusivamente en la ilusión, el tiempo y el dinero invertidos, este sería prohibitivo; mucho más elevado del que hemos anunciado. Sin embargo, lo más importante es encontrar a un gestor que sepa dar viabilidad a ambos proyectos. Queremos encontrar a alguien que, sin infravalorar nuestra aportación, esté convencido de que lo puede hacer mejor.

¿A qué os vais a dedicar ahora tu equipo y tú?

Nuestra prioridad es construir, a través de Merkopolis, una red internacional de mercados locales independiente como alternativa a las grandes multinacionales que dominan el sector. Queremos llegar a acuerdos con miles de pequeños emprendedores con quienes compartir nuestros ingresos al 50% en su propia ciudad, región o país. Para ello contamos con la plataforma de comercio online más sofisticada del mercado. Ni siquiera Ebay –nuestro particular Goliat- ofrece algunas de las herramientas y servicios que nosotros hemos creado a lo largo de seis largos años de desarrollo. Ahora sólo necesitamos el apoyo de muchos pequeños “David” locales con quienes implementar esta idea conjuntamente.

¿Tendrá Merkopolis alguna vinculación especial con el mundo del arte?

El arte seguirá ocupando un lugar preferente para nosotros. Lo llevamos impreso en nuestro código genético. El hecho de que Merkopolis no sea un portal especializado exclusivamente en arte lo vemos como una ventaja para los artistas, pues su obra será presentada a nuevas audiencias, lo cual generará oportunidades de venta. Además, para aquellos que encuentren dificultad en vender, hemos puesto a su disposición “el método comercial más antiguo del mundo”, el trueque, lo que les permitirá adquirir artículos que necesiten a cambio de su obra. Si bien Merkopolis sigue siendo un proyecto creativo e innovador, nuestro enfoque esta vez es totalmente pragmático.

¿Te gustaría añadir algo más para finalizar la entrevista?

Me gustaría aprovechar la oportunidad para difundir los nombres de los 30 artistas más valorados en la primera edición de los Premios Internacionales Talent Seekers y desearles desde aquí que continúen cosechando éxitos profesionales, que sin duda los merecen: Abelansa, Géphil, Mariano Petit de Murat, Roberto Rosi, Latchezar Boyadjiev, Yunuen, René Rodríguez Soriano, Serge Crampon, Nicemotion, Marco Gonzalez, Khaled Hasan, Txitxi Orbegozo, Dragos Jieanu, bfe, Peter Mandl, Rafe Hollister, Ana Caliyuri, Jochen Schell, Heidi Hinojosa, Ingrid Siliakus, Nicolas Cubaynes, Caroline Westerhout, Migo We, JNZ, Janet Goldner, Marlon Alarm, Juan José Mestre, Die Verzauberer, Joao Pedro Canhenha, Gudrun Geiblinger y GG Design.

(*) Entrevista realizada por Ainhoa Blanco.

ENTREVISTA A LAURA TEJADA- Arequipa

2010-10-11T20:08:00.000-07:00

ENTREVISTA A CLAVEL MERA

2010-10-02T18:59:00.001-07:00

NEREIDA APAZA EN EL ICPNA -AREQUIPA

2010-09-25T07:17:00.001-07:00

SAMUEL CHAMBI

2010-08-21T19:38:00.000-07:00

2010-08-21T19:25:00.000-07:00

CESAR CORNEJO Y PROYECTO MUSEO DE PUNO

2010-08-12T14:21:00.000-07:00

POLO PFLUCKER Y SU REALIDAD

2010-08-05T18:17:00.000-07:00

DANIEL FISCHER EN LA FERIA PINTA -LONDRES 2010

2010-06-13T21:23:00.000-07:00

1. ¿Se ha desempeñado Usted en otras áreas vinculadas o diferentes a la arquitectura y el Arte?
Mas allá del trabajo curatorial, siempre la enseñanza formo parte indisoluble de mis prácticas. Con diferentes énfasis. A veces se cristalizaba en proyectos de desarrollo social, educativo y en otras culturales. Hace tiempo formo parte del staff de investigadores y docentes en la Universidad Nacional del Nordeste, en el área del diseño. Dentro del ámbito de la educación no formal, trabajo como Coach de artistas en distintos territorios; con grupos de artistas en el desarrollo introspectivo del cuerpo de sus obras. Allí mediante un análisis y critica de sus producciones, vemos intereses, referentes, procedimientos, etc., como parte del desarrollo individual y social del artista. Y aunque esta actividad esta vinculado al arte, entiendo que la educación más allá de los contenidos, tiene sus propias formas y efectos, su propio “oficio” por el que trasunta. También, durante varios años trabajé en proyectos vinculados a UNICEF, Naciones Unidas, Proyectos del banco interamericano de desarrollo, con un fuerte componente de desarrollo social, o propuestas creativas que surgían como el ofrecimiento del Plan Provincial de Lectura, donde se ponía de relieve la Promoción de la lectura por medio de la arquitectura expositiva. Creo que en todos los casos y en cada acción desarrollada -como arquitecto, como artista, como curador, como docente, como investigador, como gestor-, el arte a sido un conector y me ha puesto en “estado de beso”, como un lienzo que viene a mi mente de François Gérard del año 1798, donde Psiqué recibe el primer beso de Cupido.
2. ¿Cómo es que usted se ve convocado para trabajar como curador en una galería como Bisagra o quizá otra?
La relación con el trabajo de galerías y sobre todo con Bisagra se hizo más íntima desde mi último trabajo Art red Vellum Project 2009, encomendado por AAGA Asociación Argentina de Galerías de Arte, para la novena edición de Expotrastiendas.
Un gran proyecto curatorial, que implico en Argentina un salto cualitativo en la manera de ver y concebir una feria de arte. Se instalaba por primera vez la idea de hacer una curaduría general, que abarcara de manera global el predio como sucede en algunas ferias internacionales como Arco, por citar alguna. A la vez implicó generar un diseño expositivo que propiciara ese trabajo de investigación; en un sitio que contaba con 5 muestras institucionales y 57 galerías de arte entre otras cosas. Mi función consistió básicamente en entender el trabajo y exposición de cada galería a la que entreviste personalmente, para poder así generar redes, fusión y profesionalización de las actividades. Mientras se formalizaba el proyecto, las visitas y entrevistas formaban parte de una especie de coaching de cada galería, compartíamos estrategias, miradas, conceptos. Mientras comprendían mis intenciones curatoriales modelábamos sus necesidades frente al proyecto. Sentí y -aún tengo esa sensación- que ese trabajo riguroso y minucioso, la escucha y el intercambio con las galerías permitió un encuentro distinto con la figura del curador en el mundo del arte. Personalmente, me sirvió para comprender en que estado de “soledad” o complejidad -debido a las múltiples formaciones del galerista- se encontraba cada galería; en esa difícil tarea de selección, comercialización y asesoramiento. Desde allí emprendí mis nuevas investigaciones, que parten del trabajo con distintas galerías del país como parte de ese proceso y así llegue a Bisagra. Una galería con fuerza e inquietudes que desea despojarse del viejo paradigma de galería, aprender nuevas estrategias y celebrar el estado del arte contemporáneo.

3. ¿Fue difícil reunir varios artistas latinoamericanos jóvenes para este evento internacional?
No creo que sea un tema de ubicación geográfica. Sea donde uno se encuentre, nunca es sencillo. Reunir artistas, siempre es complejo y distinto según el proyecto. Mucho mas aún, tratándose de jóvenes artistas donde la obra esta atravesada por millones de búsquedas, que a veces no pasan solo por el “ser artístico”, sino que involucran a ese cuerpo que hace trascender el arte. Por otro lado, uno sabe que cada trabajo en donde se busca determinar algunas condiciones trascendentales de estudio, para estimar conceptos o situaciones de visibilidad, en lo que se intenta interpretar -declarar, anunciar, esclarecer- y, por último, traducir, reducimos inevitablemente el universo infinito de posibilidades. Es un complejo trabajo de pensamiento y edición. Sin embargo para este caso particular, un primer recorte fue la mirada de la galería. Nos enfocamos allí. Tenía artistas a los cuales sigue de cerca y les interesa su obra, pero no por ello se descartó -en el proyecto para Londres 2010- la posibilidad de incorporar artistas que no pertenecen a su staff y están dentro de los entornos conceptuales que la Galería maneja. También es cierto que -por suerte o desgracia- para los que nos sumimos en esta profesión, cada año nuestro cerebro, como un increíble ordenador, va instalando carpetas y vínculos de todo tipo de los artistas que vamos conociendo. Eso a la hora de seleccionar es de gran ayuda. Otra fuente es la permanente investigación que uno hace y que ayuda a enfocar qué ver, qué ahondar o cómo abordar sistemas complejos del arte. La selección de obras de esta curaduría no busco ser exhaustiva, pero si encontrar posibles síndromes reiterados del arte latinoamericano en las diversidad de acciones de los artistas.
4. Pinta 2010 enfoca también en volverse un referente esencial para coleccionistas de Europa. ¿Cómo ves el protagonismo del arte latinoamericano aquí?
Creo que fue un acierto de sus Organizadores Mauro Herlitzka, Diego Costa Peuser y Alejandro Zaia. Creo que este hecho presentificó y confirmó que el arte latinoamericano, cada vez más, se instala con una fuerte presencia en Europa, que es reconocido y demandado. Que las grandes colecciones de la mano de instituciones o particulares encuentran en él muchas fuentes de investigación y reconocimiento. También quizás, las condiciones para poder adquirirlas van de la mano de ese reconocimiento.
5. ¿Cómo es que se esta mostrando el arte contemporáneo en las ferias de Arte del mundo?
Creo que las ferias tienden cada vez más a configurar un carácter de evento que no se encontraba en otras épocas; es festivo, no suntuoso, un lugar de encuentro, pero con la particularidad propia de una alta transitoriedad que anunciaba el antropólogo Frances Marc Augé, de no lugar, o en esa valiente aproximación al concepto de la "sobremodernidad" construido a partir de una reflexión sobre la identidad del individuo en función de su relación con los lugares cotidianos y la presencia de la tecnología. El mejor exponente de eso es Venecia donde realmente lo que sucede estalla por todos sus poros. El arte se entreteje casi como una murga urbana Uruguaya que encarna historias propias y ajenas en el mismo momento que se produce. Y aunque la gente tiene mucho temor de ese “estado de happening”, quizás por ese infeccioso discurso medieval o comercial, que instalo al goce o la risa como un instrumento que nubla o vacía lo profundo del asunto; cada vez más el hombre necesita de estos sofisticados mecanismos institucionalizados. También creo que una cosa no hace a la otra, que “el clima lúdico y la negociación cultural” es hoy parte de las prácticas, y que ese estado ya instalado como paradigma contemporáneo, es -cada vez más- el instrumento y ser del arte. Lo difícil quizás, es poder discernir ante situaciones cada vez mas hibridadas, cuándo esta vaciada y cuándo no.
6. ¿Usted sigue una línea Curatorial que guarda un entendimiento para los coleccionistas, participantes y visitantes a la feria? Cuál es esa línea?
Creo -como expresé en una conferencia de prensa en el 2009 y sigo sosteniéndolo- que la curaduría no debe olvidar, más allá de su aporte teórico o técnico, la responsabilidad y lugar altamente complejo en el que se encuentra. Debe siempre generar intercambio y reflexión; abrir interrogantes. También que la tarea es cada vez más turbadora y nos incita a reproponer el trabajo, ya que “Guionar”, “presentar” se vuelve un desafío permanente cuando nos encontramos frente a espectadores, coleccionistas o compradores casuales que han sido entrenados con una diversidad de miradas y dispositivos de absorción altamente sofisticados .
Extracto del texto curatorial de Daniel Fischer del proyecto Art Red Vellum 2009: “A fin de promover el arte como ese lugar de producción e interpretación permanente, pero también reconocerla como una práctica ya institucionalizada, localizada, dentro de un espacio propicio para el ejercicio en red -susceptible de generar intercambio y reflexión, abrir interrogantes de naturaleza metodológica y epistemológica comparativa- la curaduría no solo debe abordar el origen de estos sistemas de comercialización, distribución y reconocimiento, sino repensar su modelo como dispositivo construido, no fosilizado, capaz de favorecer un contexto de conocimiento y producción interdisciplinaria, en un ámbito de cooperación y diálogo que impacten en el arte y en el mercado del arte -de la escena local y global- frente a los nuevos sistemas de hibridación cultural, fusión del mercado y disolución de fronteras.
El arte, en todas su subjetividades y dimensiones, no es tan solo un sinnúmero de pensamientos que se cruzan y se hibridan entre lo público y lo privado, sino una rigurosa práctica que debe profesionalizarse, para hacer de ella y su mercado un espacio más razonable, que “educa la mirada” desde la producción “física” y “textual”, que trata de dar visibilidad a los artistas y su arte, generando canales y disposición de sus obras, como también puentes comunicacionales, entre pares y partes.”
7. Usted señala que la relación con el arte es una cosa de elevación del ritmo, de interés, de pasión, quizá producto de aquello como bien dice del síndrome de Meniere. ¿Inimaginablemente, hay mucha expectativa, que es lo que se vera en esta nueva edición?
Para Pinta intentamos poner de relieve lo vertiginoso y sórdido del mundo contemporáneo. Lo críptico en los procesos de construcción de obra, en los que siempre se expone sus alcances y límites. Mostrar que, si bien en el arte hay un grado perfectible que debería mejorar su profundidad crítica para evitar el achatamiento intelectual, y la reinterpretación como salvavidas, hay un gesto que se vuelve cada vez mas evidente, mas notorio y en ese lugar hay una “estética” que presenta síntomas puntuales. Con esa misión me propuse pensarlos como síndromes a estudiar y mostrar. Ese cuadro clínico o conjunto sintomático con cierto significado y que por sus características elucidaban cierta identidad.
8.- Cree usted que se vera afectado el volumen de visitas y acción de compra de arte latinoamericano presente en esta Feria por los recientes acontecimientos financieros en Europa?
Pienso que es una pregunta compleja que yo no la podría responder. Casi es como preguntar qué es el arte contemporáneo. Pero independientemente de las variables económicas que pudieran afectar el mercado artístico, también sé que la compra de obras de arte, en muchas ocasiones tiene que ver con la instalación de una necesidad y una competencia que se adquiere desde la niñez, como el gusto por los libros adquiridos a temprana edad. El que adquiere esa necesidad, casi como cualquier cosa cotidiana, busca siempre la manera de cubrirla porque se vuelve tan radicalmente necesaria como el agua, independientemente del contexto en que se encuentre.

©Joseph De Utia
New York, Mayo 2010
All right reserved

ENTREVISTA A MICHELE KRAUSS IRARRAZAVAL - USA

2010-06-07T06:41:00.000-07:00

1.-En qué momento decidiste ser artista y dejar de lado la arquitectura y el diseño interior?
Siempre he pintado…Pero nunca habia compartido mi pintura con la gente. Tampoco me dedicaba 100 % a ella. Familia, traslados, estudios y obligaciones me lo impedían. Pero la creatividad siempre la he tenido y expresado en diversos medios…
Llega un momento en tu vida en que solo piensas en pintar. Vas por la calle o conduciendo tu coche y vas pintando…Paseas por la playa o te sientas en un jardin y pintas…
Las ideas, los colores, los sentimientos y la necesidad de expresión te van en cierto modo enloqueciendo, ahogando y ya no puedes hacer nada mas que expresarlo en el lienzo.
Esta transformación en mi sucedió hace unos 8 años atrás. Viviendo en España en ese entonces. Fue ahí, cuando decidí que ya no podria dejar de pintar.
2.-Tu pintura ha confluido quizá del diseño, y los colores que se encuentran en tus propuestas componen un mundo influenciado también por la escuela Europea y Norteamericana?
Mi pintura ha sido influenciada por mis vivencias… Sentimientos, experiencias, viajes, paisajes, gente, arquitectura…. En fin, por lo que me rodea. Sinceramente no siento que ningún tipo de escuela me haya influenciado en particular. Mas bien todo.
3-En tu entrega predomina la textura y matices, en la cual ejerce una lectura estética y visual en el espectador?
Como puedo contestar esto? Jajaja…
Supongo…El espectador tiene libre interpretación. Eso me agrada. Que “caminen” por el cuadro, que se pierdan en sus pensamientos, que sientan y piensen lo que quieran. No me pidan que les explique… No hay nada que explicar. Yo pinto. Y si, uso matices y textura. Supongo eso ejerce una lectura estética y visual…

4-Cuando dices, que usas la yuxtaposición de elementos es para dar movimiento al común denominador de una propuesta o un paisaje clásico?
El uso de la yuxtaposicion creo usarla en toda mi obra. Pero en particular, lo hago en mi “Juxtaposition Series”.
Existe en el mundo que nos rodea el movimiento y lo estático. Lo que cambia y fluye y lo que no.
Existe también la yuxtaposición del paisaje natural y el construido por el hombre. Como lo superponemos con la arquitectura. Es por eso que utilizo franjas estáticas con texturas y las superpongo en paisajes abstractos. Paisajes formados por sensaciones, fantasías, sentimientos… Son paisajes imaginarios.
5-En tus trabajos afirmas que la pasión, el poder y el movimiento, aumentan tus deseos de pintar?
Absolutamente!
Es la pasion y las ganas de expresar sentimientos lo que me provoca a pintar!
Estos sentimientos son los que te dan fuerza y la expreso con pinceladas y movimiento.
6. Cuéntanos un poco de aquel proyecto ABSTRACTS HOPE SERIES, en donde abordas el tema del Paisajismo de encuadres fotográficos y panorámicos?
En esta serie, pinto paisajes infinitos. Son inventados, simplemente sensaciones de colores… Se me escapan… Es por eso que en su momento, senti la necesidad de atraparlos, hacerlos mios… Definirlos, apropiarmelos. Hacer tangible lo que no es, osea el infinito.
Para eso una vez más, utilizo franjas de colores y a veces textura.
7. Es la línea roja un indicativo de fuerza o vida al horizonte de estos paisajes infinitos?
La linea roja sobre la linea del horizonte me ayuda a definir…Enmarca lo que no se puede enmarcar. Es como si me pudiera colgar de ella y atrapar lo inalcanzable. Es una línea de esperanza…

8- Estas preparando quizá una serie nueva para una exposición individual en un lugar especial como España u otro País?
Efectivamente. Estoy preparando una serie nueva, dentro de mi línea de trabajo, para una exposición individual en Sudamérica para el próximo año. Me tiene entusiasmada e ilusionada. Es una gran oportunidad que me ha sido ofrecida y estoy muy agradecida.
Les puedo adelantar que estará muy influenciada por vivencias recientes. Fuertes emociones y música…
9-Finalmente que esperas de tus propuestas personales de aquí algunos años?
El pasado ya fue. El futuro aún no es. Vivo en el hoy! No espero nada…

Gracias Michele por la entrevista.
Joseph De Utia
Lima, Mayo 2010
All right reserved
Visite: www.michelekrauss.com

ENTREVISTA A SUSANA RODRIGUES DE LA GALERIA ECOFUSION -ARGENTINA

2010-06-05T12:01:00.000-07:00

1. ¿En que momento decidiste ser Galerista y dirigir la galería EcoFusión ?
Fue una idea de mi esposo que maduramos juntos, luego cuando fue el tiempo exacto se produjo , también con la gran participación del otro Directivo de Ecofusion el Arquitecto Leonardo MIÑO.
2. ¿Qué es lo más gratificante de ser artista plástica, poeta o solista?
Lo que más gratifica es soltar tu interior y que el espectador se goce contigo admirando tu producto, de eso se trata el fenómeno artístico. También y principalmente cumplir con tu vocación y los dones otorgados.
Por otra parte como artista plástica me encanta la creatividad , la libertad para reformar la realidad y el color.
Cómo poetisa disfruto sin esfuerzo del regalo que Dios me ha dado ya queme surge fluyendo sin esfuerzo desde mi inconsciente. Y como solista si es que se refiere al canto, diré que fue mi primera y grande vocación
3. ¿Tus obras tienen que ver mucho con lo natural, trascendental y el eros?
Con las tres cosas, pero agregado un poco de candor.
4. ¿Cree UD. que las galerías de arte tanto en la capital y las ciudades importantes en Argentina aumentan día a día?
Creo que si , aunque en mi zona que es el sur del Gran Buenos Aires no hay tantas, la nuestra es la única en los Distritos de Avellaneda y Quilmes.
5 .En la muestra organizada por UDS. : Exhibición Internacional por el BICENTENARIO han participado artistas extranjeros ¿Qué nos puede contar de ello?
Fue una experiencia preciosa, donde la diversidad tuvo una gran integración , los artistas confiaron en nosotros y eso dio excelentes resultados organizativos y también las gratas críticas que hemos recibido por la calidad del arte expuesto
6. ¿Cómo ves el Arte Latinoamericano frente a Europa?
Muy fresco, original y de gran nivel.
7. ¿Has presentado hace poco tu libro “Eróticamente pura”, que nos puedes decir de ello?
Eróticamente Pura , como su nombre lo indica hace alusión a Eros , que en psicología significa “pulsión de vida”. La tapa del libro tiene la imagen de una novia ( foto propia del día de mi boda) que resume las dos cosas , erotismo y pureza representada por el traje blanco.
Es un poemario de verso libre que en una primera parte habla de amor y desamor y en la segunda de diversos temas, en especial los poemas dedicados a paises entre ellos el tuyo: Perú .

8. He visto que tienes varios poemas publicados ¿ La poesía va con tu obra plástica?
Tengo cientos de poemas publicados y claro está que la poesía sale del mismo lugar que la plástica. Un artista plástico argentino llamado Héctor Viola ha dicho que soy la “poetisa de las formas”
9. ¿Tienes planes de venir al Perú algún día y compartir tus propuestas y poesía?
Es mi anhelo.
10. ¿Qué espera vos de un Artista cuando viene a su Galería, que trascienda por su obra o trayectoria?
Por las dos cosas, trato de ayudar a ser trampolín para que ello ocurra.

Por Joseph De Utia

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MAL:Un movimiento a hacer el "bien"

2010-05-16T06:07:00.001-07:00

Con manifiesto bajo el brazo, cuartel general y nombre estruendoso, tres jóvenes planean una liberación. Pero sólo la sigla es de temer, porque el significado es Movimiento Artístico Latinoamericano. Y los fines son crear redes entre distintas expresiones, impulsar la difusión de otros malvados sueltos y poner al arte al alcance de todos, mediante muestras multidisciplinarias. La cuarta, que será a fin de mes, aguarda las propuestas de los obreros del arte de Latinoamérica.

Por Nahuel Lag
Fotografía gentileza de MAL

Buenos Aires, mayo 13 (Agencia NAN-2010).- "Qué es mal o qué es el bien. Pues, no hay ni bueno ni malo sino lo que uno se permite o reprime. El MAL tiene un nuevo significado de hoy en adelante: Movimiento Artístico Latinoamericano.” Éstas son las primeras líneas del manifiesto que intentó emular el “¡uníos!” de aquella proclama que cambió la historia, dirigido en este caso no a los proletarios del mundo, sino a los "obreros" del arte de América latina. Desde fines del año pasado, el Movimiento convocó a decenas de artistas y realizó tres muestras interdisciplinarias para "crear redes entre las artes", pintó Soledad Nieto, la dama del terceto impulsor del proyecto, caracterizado por la gratuidad, que permite que cualquier hijo de vecino se acerque a disfrutar de cómo el arte "interactúa de inmediato y moviliza los sentimientos, al ver una banda o apreciar una pintura", resaltó Matías Flocco, otro malvado. Agencia NAN se reunió con Nieto, Flocco y Andrés Bonvin, músico ideólogo del MAL, en su cuartel general, denominado La Molécula, estudio de grabación del porteño barrio de Villa Pueyrredón. Allí preparan un disco con las bandas que pasaron por las muestras, además de la cuarta convocatoria.

La idea del trío de artistas que une fuerzas por la difusión y el acceso al arte no viene de otro planeta sino de una historia cubierta por la capa de la creación. Bonvin escribe "más por hobby" pero recorre bares y restaurantes con disco homónimo, y tiene la cualidad de estirarse para alcanzar cada proyecto musical que se le cruza: Trío Torralvin, Trío Nos y Fruto Libre, que promete disco. Flocco tiene varias habilidades: pintar, interpretar varios instrumentos y hasta crearlos con su oficio de carpintero. Soledad es actriz, cantante y, sobre todo, artista plástica. Juntos le dan forma al MAL desde mediados de 2009, para que "funcione para los artistas como el cordón de Ariadna a Teseo y que, algún día, por las calles de Latinoamérica y, por qué no, del Mundo entero, se hable del bien que hace el MAL a la sociedad, brindando tanto merecido y necesario recreo como lo son la perfecta simpleza de unos versos", continúa el manifiesto. Antes de despertar sospechas y alerta entre los ciudadanos, Agencia NAN se encargó de descifrar las intenciones del MAL.

Movimiento

¿Qué fue lo que lo impulsó a pensar en el movimiento?
Andrés Bonvin: Hay muchas personas haciendo arte, produciendo cultura. Pero hay quienes, sobre todo en la pintura y la literatura, están poco comprometidos con su obra, y se escucha decir que el arte en Buenos Aires está muriendo. Sin embargo, muchos artistas producen obras de calidad y no salen a mostrarse, cuando deberían hacerlo.
¿Eso es por falta de espacios?
Matías Flocco: Muchos artistas tienen la fantasía de que en algún momento alguien los va a ir a buscar, y eso no ocurre. Tenés que moverte mucho para que algo suceda. No es tanto por la falta de espacios, sino de organización.
Soledad Nieto: Las bandas de música y la literatura tienen más o menos un circuito, pero la plástica es más elitista y es difícil salir a exponer. Al principio, el artista puede estar conectado con su obra y sentirse retribuido con eso, sin sentir la necesidad de salir a hacer lobby para conseguir que le expongan la obra en una galería. Lo interesante del MAL es que, al tratarse de encuentros multidisciplinarios, si una persona se acerca para escuchar a una banda también se va a encontrar con un cuadro, una escultura o una muestra de fotos. Pocas personas piensan: 'no tengo nada que hacer, me voy a ver una muestra'. Pero sí van a ver una banda.
Así el MAL abre una puerta a los artistas a los que les falta el último impulso para salir a mostrar sus creaciones, como ya lo hizo con decenas de personas que participaron de las tres primeras muestras, realizadas en noviembre y diciembre de 2009 y en marzo pasado en el Centro Cultural Belgrano Danzas Corporales. De esas tres primeras experiencias malvadas surgió un disco con las bandas participantes, aún en preparación en La Molécula (Vallejos 2434), que será la primera criatura del movimiento. Todos los encuentros tuvieron sus puertas abiertas sin contraprestación que impida la entrada, porque para los impulsores --a pesar de que quedan agotados por el trabajo de reunir a los artistas, difundir la actividad y ordenar las exposiciones a puro pulmón-- no se puede pensar en cobrar. "La gente necesita trabajar y ganar plata para comer. Después, si tiene tiempo y plata, sale a ver algún espectáculo o se compran un CD. Entonces, lo interesante está en crear un espacio en el que pueda disfrutar de todas las expresiones artísticas", apuntó Bonvin.
Así, se hace lugar para que todos vivan la experiencia del arte, mientras que para los artistas el MAL aporta a la "valorización de su obra a partir de la difusión". Al respecto, Nieto explicó: "El trabajo del artista se completa con la mirada del otro. Allí termina el ciclo de la obra. En la muestra es donde no sólo se ve el efecto de las cosas que uno intenta condensar en la obra a partir de la investigación sino también lo que el otro ve y lo que transmite". Es que "producir una obra y no sacarla a la luz es como tener un hijo y encadenarlo", graficó Bonvin.

Artístico

Hasta ahora, los encuentros fueron la invitación para los artistas que deseen empezar a sumarse, sin ningún tipo de condición. Pero la cuarta muestra, que tendrá lugar a fines de este mes y para la que ya está abierta la convocatoria a artistas locales y latinoamericanos, tendrá en "la colonización" el hilo común para inspirar trabajos de todas las disciplinas. "Con las ganas que teníamos de que los pintores expongan y de que los músicos toquen, las primeras dos exposiciones reunieron a un conjunto de artistas con estéticas distintas. A partir de ahora, la búsqueda será que el grupo muestre lo que hace para una exposición, es decir, que sea la muestra del movimiento", apuntó Flocco.

¿Qué generará el trabajo entre artistas de distintas disciplinas?
M.F: En la relación de los trabajos entre los artistas se activan disparadores creativos. El ir interactuando la música con el video, con la plástica o la escritura va a dar una expresión completa, una estética del movimiento que irá variando sus formas y, sin duda, son procesos productivos muy ricos y de rápida reproducción.
S.N: Ayuda a la comunicación entre las disciplinas y a crear redes entre las artes, porque el lenguaje es el mismo. Me parece natural la unión de las artes y, en mi caso, tiene que ver con la búsqueda para enriquecer lo plástico a partir de la música, la literatura. Antes de iniciar una serie de pinturas podés comenzar investigando sobre un ensayo, una novela o un estilo musical para después pasarlo a la imagen.
A.B: La fusión de las artes enriquece. Un artista tiene que nutrirse de las demás disciplinas e intercambiar visiones del arte. Eso mejora tu obra, permite llamar a todos los sentidos.

Latinoamericano

Desde el blogspot del MAL (http://www.maltino.blogspot.com/) ya está abierta la convocatoria para los artistas latinoamericanos que pasen por Buenos Aires y decidan unirse a la muestra o que se quieran llevar el movimiento hacia otras fronteras. Es que "la página es un elemento de difusión, pero el encuentro físico entre los artistas es lo más importante", subrayó Bonvin.
¿Por qué apuntan el movimiento a lo latinoamericano?
M.F: Hace tiempo que los ojos están puestos en las expresiones artísticas europeas y norteamericanas. Latinoamérica tiene artistas de gran categoría como para que la sociedad se reconozca en sus obras, aunque el grueso continúe consumiendo la cultura anglosajona. Es una posibilidad, pero nosotros nos identificamos con el arte latino y queremos darle una vuelta de tuerca para que las movidas artísticas de acá salgan adelante.

Cortesía de Matías Flocco

JOSE CARLOS RAMOS

2010-05-12T17:04:00.000-07:00

ENTREVISTA FELIX MENDEZ

2010-03-19T21:07:00.001-07:00

1.- ¿En tus performances el punto de partida es siempre la crítica socio-política?
No, aunque todo hecho es directa y enteramente político y más quizá, si intenta autodenominarse no-político, entonces el inicio socio-político de mis performances-acciones nace directa e ineludiblemente desde la inconformidad como habitante de esta mini-orbe con aires de grandeza.
2- ¿En qué momento te enemistaste con la Política?
Ser político, hacer política, ser correctamente político implica ataviarse de un discurso (físico, mental, oral y/o espiritual) con el que, seguro no cuento ni en mis mejores pesadillas y como todo lo político intenta solucionar un problema o una problemática, yo intento hacerlo hacia adentro, es decir, solucionar mis problemas, es decir la problemática que puedo ser yo para la sociedad. Desde este punto equidistante hago lo “valederamente” equivalente para lo que yo considero “mi sociedad”. No pudo llegar a lo que escapa a mis horizontes.
3.- ¿Es sin duda que el tema político después de una larga reflexión ha influido en tus propuestas y en tu pintura por así decirlo?
Sabes, que el Perú es contextual, desde siempre, yendo a nuestro pasado cercanísimo, desde los negocios hasta la política, la vida misma, un ejemplo, a inicios de los 90s se pusieron de moda las combis y custers, a inicios de los 2000s las cabinas de internet, los discos piratas y dvds, es una muletilla existencial que persigue a los peruanos y al Perú, en todos sus niveles y estratos, como el grupo la Sarita que se puso de moda cuando estuvo en contra del “chino” y, cuando el régimen cayó, desaparecieron. Ahora viven del recuerdo de su espíritu contestatario. Yo hago “algo” pero jamás quiero llegar a ser un maldito “panfleto” y si así alguna vez sucede, que me trague mis malditas palabras…
4.- ¿En tus entregas “No hay dinero en el universo” o Poetas y Violetas? interactúas casi siempre con los espectadores?
No necesariamente, en un evento con presencia “masiva” o minimasiva seguro que sí, pero si me dieran por elegir, preferiría ser lo más minimalista y discreto posible, porque la sensación de la “acción” siempre llegará a quien deje que llegue a sí.
5.- ¿Quizás hubo proyectos o intervenciones urbanas en la que fuiste censurado alguna vez?
Sí, creo que una u otras más, es que el problema es de la percepción que se tiene en cuanto a una acción y/o performance, los organizadores quieren garantizar el éxito de su evento y para ello elegirán y convocarán a los proyectos màs rimbombantes o que estén cuajados y/o sesgados con alguna tendencia política, pero no hay problemas, las acciones y/o performances se pueden ejecutar en la calle con o sin permiso de la policía, porque yo quiero ser feliz sin permiso de la policía.
6-¿En tus propuestas utilizas el humor agrio, en donde abordas tanto el conflicto como la paz, y de seguro también la depresión?
No sé, si realmente llegaré a utilizar el humor, sino que, algunas de mis propuestas son tomadas como “descabelladas” y en ello arrancan alguna sonrisa y/o carcajada en el espectador o el espontáneo participante. La depresión, no, no, estoy en Lima-Perú no en Haití, Irak o en Chile. Dulce patria recibe los votos con que Chile sus aras juró.
7-¿Finalmente, qué opinas de los festivales de intervenciones urbanas? ¿Crees tu que hay un proceso de selectividad injusta frente a proyectos que puedan quizá ser dejados de lado?
Sí, seguro que sí, y me es perfecto, porque así se demarca la frontera entre lo que se hace por “moda” y lo que se hace realmente, porque la esencia efervece e inevitablemente explotará. Ello me hace intolerante, qué puedo hacer, la intolerancia se combatirá con más intolerancia, sino te pasan por encima, y si uno no es de hule o cava para abajo, muere, y yo, por ahora no deseo morir. Me llamo Félix Méndez y no sé tocar ningún instrumento, desde la perspectiva de la ajena perfección. Tú de mí…

Joseph De Utia
Lima, Marzo 2010

Entrevista por Radio Filarmonía:MUSICA:EL SONIDO Y EL SILENCIO

2010-03-02T20:21:00.001-08:00

JUAN MILLA JARA EN CASA DE OSAMBELA

2009-10-27T20:30:00.001-07:00

ENTREVISTA A NANI CARDENAS

2009-08-07T15:48:00.000-07:00

Cuando y cómo descubriste tu vocación por la escultura ?
Descubrir el placer de modelar o de esculpir se ha dado desde siempre, la vocacion la descubri mucho después cuando a los 22 años me fui a vivir a una playa del norte del Perú por un año.
Fuiste profesora en un instituto y también en una universidad. Cómo fue esa experiencia?
Me gusto compartir lo aprendido, me dedique 6 años a enseñar en la PUC. y fue un ciclo interesante en mi vida. También he enseñado en el Colegio Trener a niños y adolescentes y en la UPC un curso llamado exploración de materiales.
Sueles dibujar bocetos, anotar projectos, vivencias, viajes, etc. en cuadernos. Alguna vez los has expuesto.?
En el libro Cuaderno de Dibujo aparecen algunos de estos cuadernos como introducción a ese proyecto.
Una individual fue en Berlin Alemania y otra antes en Barcelona, España. Cuéntanos sobre las esculturas que llevaste y cuál fue la respuesta del público?
Mi ultima muestra se llamo Cuaderno de Dibujo, en la galería Enlace Arte Contemporaneo en Lima.
La muestra Cromoterapia se dio con la cooperación de la Embajada Peruana en Berlin y se presento en la sala de exposiciones María Reiche de Berlin y en Messe Duesseldorf, ya que fui invitada al evento Wire 2008.
Las esculturas fueron hechas con hilos telefónicos de colores.
En Barcelona, presente la muestra Esculturas(en tránsito) en la Galería Beaskoa en el 2006. Fueron esculturas tejidas en plata, cobre y bronce.
En Duesseldorf en el evento Wire 2006 presente Dhratsleben, también con esculturas tejidas en plata, cobre, acero inoxidable y cables eléctricos de pequeño y gran formato.
Tus obras recientes tienen como característica principal el uso del tejido en alambre (bronce, cobre) y/o en materiales sintéticos. Coméntanos sobre tu proceso creativo en esa técnica?
El alambre me permite la libertad de dibujar en el aire, saturar, aligerar, amarrar, crear masa y veladuras. Hacer bocetos que son en si pequeñas esculturas e intervenir espacios con mis dibujos aéreos.
Hace unos años también fuiste invitada a exponer tus esculturas en una feria en Alemania. Ahí tuviste un stand solo para tus obras que además fueron reseñadas en un importante diario alemán. Háblanos sobre esa exposición?
La muestra Drahtsleben me permitió mostrar mi obra en Alemania y venderla a clientes en Grecia, Francia y EEUU.
En cuanto a la publicación en los diarios de Colonia y Duesseldorf facilito el contacto con una clienta interesada en comprar mi obra.
Cuéntanos sobre tu escultura pública. Me refiero a la que está en el Parque Tradiciones de Miraflores que es muy popular entre los paseantes tanto que no dejan de fotografiarse con ella.
Fue un encargo de la Municipalidad de Miraflores, disfrute mucho investigando la vida de Ricardo Palma y todo el desarrollo del proyecto, lamentablemente no fue colocada en el lugar que se propuso, hacia un lado del camino delante de una lomita, ya que uno debia descubrirla a su paso por el parque y requería un farol en su lado derecho.
A propósito de tu última muestra en la Galería Enlace cuéntanos poco sobre el montaje.
Cuaderno de Dibujo tuvo tres espacios bien diferenciados y complementarios. En Bordados (hojas sueltas) presente telas intervenidas con cables e hilo como apuntes de un diario. Apuntes a lápiz (hilos telefónicos) es una instalación de esculturas suspendidas en el techo que simulan una danza y estas proyectan sus sombras como un dibujo hecho a lápiz. Tinta Negra (cable de acometida) es una instalación de cables eléctricos con personajes trabajados en acero inoxidable y cables negros, en este caso trabaje la idea de la casualidad y de la tinta derramada.

Gracias Nani por la Entrevista.

Por JORGE CASTILLA-BAMBAREN

ENTREVISTA A JOSEP CÁRCELES - ESPAÑA

2009-07-15T15:05:00.001-07:00

1. ¿Qué determina que UD. Pueda ser considerado un artista de la fantasía, el cambio y la experimentación en sus obras?

J.C. Todos tenemos nuestras fantasías que deberíamos sacar a la luz. Yo como artista intento trasladar a la realidad física mi mundo mágico. Un artista completo considero que es aquel hombre inquieto y curioso que experimenta con materiales nuevos; que siempre evoluciona como la misma vida, que su obra está viva y no muerta y por eso siempre cambiante.

2. La serie Kaos o Música del Kosmos son un referente último de su vasta producción?

J.C. Hasta hace unos meses si. La empecé a primeros de año y la termine a finales de primavera. Aunque es obra nueva es una retrospectiva de todas las formas volumétricas que he ido creando a lo largo de mi vida artística.Pero ha llegado el verano, y él ha venido con otra nueva aventura creadora donde el relieve escultórico se hace más evidente, más voluminoso. Creo obras de gran tamaño con colores y materiales nuevos.

3. Hay una pintura suya de una Gioconda de Da Vinci, cómo así nace esta pintura que es en sí muy original, que debiera ser muy valorado por su alta reinterpretación?

J.C Muchas gracias por el elogio que hace de ella. Este relieve escultórico nació primero siendo pintado al óleo sobre cartulina. Es una obra gráfica que la quise llevar a la escultura.El relieve escultórico se divide en dos partes a saber: La inferior de hierro oxidado representa la tierra y lo efímero de la vida. La parte superior de bronce representa la eternidad. La Gioconda nos representa a todos que estamos entre los dos mundos y la cara no tiene expresión porque tiene todas las caras de la humanidad pasada, presente y futura.

4. El cosmos o cosmogonías tienen un énfasis muy personal en sus obras ¿Qué nos dice de ellas?El cosmos…… venimos de él y vamos hacia él. Mis cosmogonías representan el primer instante después del “big bang”. Como los mundos, las galaxias, las moléculas, en fin, todo se expansiona, para que en un futuro todo vuelva a unirse. Aquí hay mucho material para pintar durante toda una vida.¿Cómo pintar el universo en expansión? Imaginándolo, viviéndolo, pero no con una limitada perspectiva terrenal sino con la amplitud creadora y eterna de Dios.

5. La serie escultórica son muy originales empezando por el título El misterio de la vida? Pensó mucho al dar título a estas propuestas?

No, en absoluto. Le agradezco que me haga esta pregunta. En la serie El misterio de la vida observando las obras, tienen distintos significados para los distintos espectadores.Hay una explicación lógica para cada cuadro y en cada cuadro hay un significado oculto. Es decir, hay argumentos por capas. Unos más superficiales y otros más profundos.

Si se fijan ustedes, se repiten varios elementos en cada una de ellas.

El cubo signo de la divinidad.

El círculo signo de la eternidad.

El número dos signo de los antagónicos como el blanco y negro, hombre y mujer, o el ying y el yang.

El número tres signo de la Trinidad.Ahora ya con estos datos pueden interpretar cada obra.

¿No es ya un misterio nuestra vida?. ¡Tratemos de plasmarlo artísticamente!

6. Hay ciertas influencias del pintor Miró en algunas de sus propuestas?
En realidad no, aunque me fascina el mundo mágico de Miró. De hecho todos los artistas contemporáneos bebemos de las fuentes de los grandes maestros como Miró, Picasso o Paul Klee. A mi me gusta más el constructivismo ruso, el futurismo italiano o las genialidades de los grandes arquitectos.
7. ¿Considera UD. que un artista de España debiera recibir cierta influencia de su país antes que la pintura occidental?
De hecho la influencia que han ejercido en mí los grandes maestros al estudiar la Historia del arte haya hecho alguna mella en mis inicios como artista, pero rápidamente asumes tu personalidad pictórica y andas por caminos casi inexplorados creando tu propio estilo.
A pesar de tener un estilo propio, deseo que este estilo siga vivo, cambiante, pasando de la adolescencia a la madurez para volver a empezar con otro estilo nuevo. Voy hollando caminos de expresión desconocidos para que otros artistas en un futuro lo perfeccionen y completen. Ellos tienen que llegar un poco más allá de dónde yo he llegado.
Por eso mis series son cortas ya que rápidamente doy golpes de timón para iniciar nuevos rumbos.
Soy consciente de que cuando me repita demasiado en mis obras habré muerto artísticamente.
¡Tengo tantas ideas para plasmar!.
¡Me faltaría otra vida entera para desarrollarlas todas!
8. Hay versatilidad en su producción. ¿Se considera en todo caso Ud. Más escultor o pintor?
Me considero un pintor de esculturas murales. Yo empecé a pintar desde muy joven con pinturas al óleo pero a medida que iba pintando cuadros me frustraba la superficie lisa del lienzo y lo que hacía era impregnar el pincel con la ceniza del cenicero o la arena del patio. Utilicé espátulas para dar grosor a la pintura y de aquí a utilizar escayola fue ya un paso.
De la escayola a planchas de hierro y ahora en la actualidad en madera.
9. Cree UD. que un pintor de hoy en día debiera ir con la tecnología o era digital en sus propuestas?
Por supuesto. La tecnología está a nuestro servicio para crear arte.
¿Qué es el arte? Para mi es cualquier expresión que despierta al contemplar la obra los sentimientos más nobles del ser humano como el amor, la belleza, la ilusión, la aspiración, la paz, la dulzura, la ternura, la trascendencia.
Si una obra artística no despierta estos sentimientos, ella no es arte, es un objeto.
10. Sabemos que la obra de un pintor debiera mostrarse siempre al público, que es el objetivo principal de la pintura. Hay planes de hacer una retrospectiva de su vasta obra?
Precisamente en mi pueblo donde nací y en dónde vivo, durante este julio y Agosto se montará por iniciativa del Ayuntamiento de Malgrat de Mar (Barcelona) en la Capilla del antiguo hospital, ahora rehabilitada como sala de exposiciones, una retrospectiva y obra reciente de todos mis trabajos. Era una deuda que tenía contraída con mi pueblo para exponer mis trabajos artísticos.
Me gustaría tener la oportunidad en alguna ocasión de poder exponer mi obra en su lindo país.
11. Hay abstracción, color y música en El Misterio de la vida. ¿Tiene que ver la música en el proceso creativo de sus obras?
¡Claro que hay música en mis obras!. En todas ellas se esconden las notas de Beethoven (La 9ª Sinfonía), de Mozart (La Misa de coronación), de Carl Orff (Carmina Burana). De Verdi (El brindis de la Traviata). Cuando creo y pinto pongo esta música celestial que me eleva el espíritu y me transporta a mis mundos de fantasía, a mis cosmos y galaxias.
Si me permite confiarle un pequeño secreto: Cuando estoy realizando una obra siento el poder creador en mí de tal manera que puedo decir que no soy yo quien opera sino que todo el universo se abaja para guiar mi brazo y mi mente.
Ignoro si eso es normal o le pasa a más artistas, pero estoy profundamente convencido que me abstraigo completamente perdiendo la noción de la realidad al trabajar en la obra.
CDA:Gracias por la entrevista
Gracias a ustedes por brindarme la oportunidad de dar a conocer un poco más mi obra y al hombre que se esconde detrás de ella.
Un afectuoso saludo desde España y un ¡hasta pronto!.

Joseph De Utia
Editor Circuito de Arte

ENTREVISTA A DIEGO LOPEZ MARTINEZ

2009-07-09T13:57:00.000-07:00

http://diegolopez.bubok.com

1. ¿En qué momento de tu vida decidiste dedicarte al mundo de las letras?
El mundo de las letras, es una pasión que tengo desde niño… por lo menos en mi mente, siempre estuvo. Soy una persona muy imaginativa, pero de niño lo era más. Despues de auto-analizarme, más de una vez, creo que tengo algun grado de Síndrome de Peter Pan. Pero no me importa, por que mantiene mi mente. Con la realidad social y sus derivados contemporáneos, en una revolución inquietante del progresismo. Creo que al tener, mi mente en ese estado permanente, me permite estar equilibrado. Porque visualizo el mundo, desde la misma tierra, cuando tengo que estar en lo más cotidiano, de mi vida y por elevación cuando veo las cosas con ilusión.
El espacio entre el cielo y la tierra es enorme, pero si queremos, podemos tener puntos de encuentro, es un lugar donde las palabras y los sueños son inagotables.
Decidí dedicarme a escribir y a pintar hace unos seis años, mi vida necesitaba un cambio radical, el stress me estaba superando y tenia que poner freno a mi vida.
Hice un cambio radical en mi vida, yo residía en el Norte de España, en la Comunidad Vasca, donde tengo mi familia y parte de mis grandes amigos, la provincia donde vivía Álava, en una zona maravillosa, que se llama el Valle de Ayala. Pero aun asi tenia la necesidad, de ese cambio y me fui al Mediterráneo, a la costa Azahar.
Ya en los primeros días, de estar viviendo en la costa, me empezo a venir la inspiración, tanto - que al principio, buscaba cualquier trozo de papel, donde escribir, hasta que ya permanentemente, tenia que tener un cuaderno, porque la inspiración, me surgía en cualquier momento y lugar, era increíble, pero sobre todo era feliz.
Llegaba casa con un montón de versos sueltos, que en casa como un rompe cabezas, iba juntando, fue fantástico, cuando acabe mis primeros poemas completos, se los empecé a enseñar a la gente conocida y a los amigos. Viendo que habia amigos que se le saltaban las lágrimas, cuando los leían y más algunas amigas, que incluso lloraban, hasta yo mismo me sorprendía de mi sensibilidad, por que después de leer y releer, lo que escribía, yo mismo me emocionaba, de lo escrito, me parecía imposible ¿y yo he escrito esto? me preguntaba, y fui descubriendo muchas cosas de mi que tenia muy ocultas.
Fue en ese momento, cuando decidí escribir mi primer libro. Pensé esto no puede quedarse, aquí, esto lo tiene que leer la gente. Creo que mi poesía, aparte de ser contemporánea, es sobre todo Social y Humanista.
La bondad de la poesía, es como el agua, que si la tratamos bien, beneficia todas las cosas.
La poesía es corazón, es la profundidad, de tus sentimientos, es la abertura de tu mente, cuando la extrapolas a otro espacio.
Para la sociedad, la poesía se puede escribir, desde la solidaridad Universal. Incluso desde la benevolencia. Pero sobre todo, la poesía, tiene que ser la palabra, escrita, desde la buena Fe y la Sinceridad.
2. ¿Qué es lo que sientes cuando te encierras y escribes una poesía?
Lo que siento es la emoción de vivir el momento, la inspiración en el mayor momento de esplendor, a veces me gustaría alargar ese espacio de tiempo, pero todo tiene su fin.
Pero, esto es por lo que no me encierro, para escribir, escribo en cualquier parte, generalmente busco ambientes naturales. Por ejemplo, el puerto pesquero, del pueblo donde vivo ahora: Vinaroz - (Castellón) - ahí sentado en uno de sus bancos, mirando el mar, he conseguido grandes momentos de inspiración. También busco las playas, el ruido de las olas, al llegar al final de su recorrido, eso hace que regularicen las frecuencias de mi cerebro, poniéndome en armonía con el entorno natural y mis pensamientos. También suelo buscar veredas y caminos, sobre todo en primavera y en verano, abriendo en mi caminar, el alma y deshojando cualquier pena si la tuviera. Pero siempre he pensado, que cualquier tarde de Sol, anima a la esperanza. Si uno es consciente de esos momentos, los versos vienen a llenar recuerdos o esperanzas. Los acontecimientos del mundo, a veces muy duros, son un filón de información, para los poetas contemporáneos. Me gusta desgranar los acontecimientos sociales e internacionales, de esta coyuntura inquietante, en la que vivimos permanentemente. Es difícil a veces entrelazar los versos, ponerlos en un orden coherente, cuando queremos decir algo importante, algo que a la sociedad le duele, en lo más profundo, pero es ignorada, por aquellos que deberían protegerla. Y abrir los ojos, de una manera poética a la gente, suele ser a veces un poco más complicado.
La sumisión al destino, suele ser una ley constante, en la sociedad actual, pero con la poesía, cualquier destino se puede cambiar.
Cuando ya me encierro a escribir, con parte de mi trabajo hecho, la paz profunda y sedante, que yo siento sentado, junto a mi mesa, hace que mis versos, empiecen a tener sentido. A veces las palabras sinceras, no son bellas, pero eso forma también, parte de la poesía.
3. ¿Has publicado 2 poemarios, hay alguno que signifique más que otro?
No la verdad es que no, los dos están escritos con el corazón, incluso muchas veces bisceralmente, si que cada uno tiene poemas, que me gustan especialmente, pero por una cuestión personal.
Todo el mundo reconoce el bien como el bien, de lo cual de ello se deduce, lo que es el mal. En mis dos poemarios, intento que eso quede claro, con la lógica aplicación, del sentido común. A veces un poema se engendra fácilmente, pero darle el sentido, y la sencillez, que yo quiero expresar, me lleva siempre a un juego de imaginación, fascinante. Creo que hay demasiadas influencias y muy variadas, que intervienen demasiado, en el desarrollo negativo de las personas.
Yo quiero ser participe de alguna manera, en el desarrollo positivo de las personas. Directa e indirectamente, las políticas sociales siempre afectan negativamente, en un gran numero de personas, lo veo todo los días en la calle, no solo en España, en el mundo entero. La gente sufre afectándole psicológicamente, escucho lo que me dicen y sobre ello escribo. La poesía, puede ser una ayuda, incluso guía de uno cuando esta perdido. Yo no quiero negar mi ayuda, porque el mundo vive acaparado, por unos pocos, explotando al resto, en sus más diversas emociones.
Yo escribo, sin apropiarme de nada, escribo desde el corazón, por eso mis dos poemarios, los quiero igual. El significado de cada uno, se lo dejo a las personas, que tengan la suerte, de leerlos.
4. En tu libro “Acaso es tarde para mis sueños”, hay algo de verdad o quizá, detalles de tu vida en esta novela?
Lo que es real del libro, es entre un - 30 o un 40% - el resto es novela.
Si el personaje existe, es un hombre extraordinario. Lo conocí, en la puerta de una iglesia, pidiendo limosna, pero me llamo la atención, su elegancia y su prestancia, también su gesto. Le salude un par de veces y el me contestaba, siempre muy educadamente.
Un dia como siempre, estaba haciendo mi paseo, al puerto, le vi sentado en un banco, le dije que si me podía sentar, me dijo que si, ahí empezo una amistad, que duro más de un año y medio. El libro tiene detalles, de mi vida, pero solo relacionado, con los espacios, de tiempo que estaba con el. Considero al personaje, del libro un hombre valiente, sin ser osado, por eso sobrevivió, a todos los obstáculos, que la vida le fue poniendo, en su caminar.
La verdad es que pase momentos, muy interesantes, con charlas profundas y sinceras. Pero sobre todo lo que él intentaba, es que yo no cometiese los mismos errores, que el cometió. La verdad es que le agradezco aquellos momentos, porque aprendí mucho de él.
5. ¿Existe otra faceta en ti que es la pintura, dinos como va ello?
Bien, la pintura la comparto con la escritura, aunque ahora dedico más tiempo a escribir. En mi casa la influencia del arte, la vivimos de alguna manera siempre, mi padre cuando mis hermanos o yo estábamos en casa estudiando, siempre habia alguno que estaba pintando. Mi padre siempre nos acompañaba a pintar, la verdad es que lo hacía muy bien, probablemente algo de aquella influencia, quedo en la familia, por que mi hermana también es pintora y diseñadora. Tengo tambien dos sobrinos, arquitectos diseñadores, osea que un ramalazo artístico hay en la familia. Ahora quiero poner en Facebook, una exposición permanente de mis pinturas.
La pintura también, puede ser una puerta hacia tu interior, puedes plasmar tu personalidad libremente, apasionadamente. Incluso una ruptura de las tendencias, interviniendo frontalmente, contra la naturalidad y la armonía. Intensificando la tendencia a los extremos a lo extravagante, con un claro objetivo: provocar la admiración.
La verdad que ahora en la pintura, exaltar el talento es difícil. Porque quién puede decir, que un cuadro es bonito o feo, bello o atroz, vivimos en la pintura un momento relativo, si a ti te gusta un cuadro y te puedes permitir comprarlo, cómpralo y si no admíralo y si no te gusta pasa de hacer una critica cercana, por que el que viene detrás de ti, le puede gustar incluso de una manera apasionada, lo he visto muchas veces. Si le preguntas por que compra el cuadro, te dará una respuesta razonada y después de volver a mirar el cuadro, puedes pensar hombre pues no esta mal. A mí, con la pintura, me va poco a poco, voy vendiendo algun cuadro que otro, que siempre es un estímulo, pero si no vendo no pasa nada, porque yo lo que intento es disfrutar apasionadamente cuando pinto.
6. ¿Has expuesto profesionalmente, qué estilo tienes en tu pintura?
Si he expuesto profesionalmente. Mi estilo de pintura, esta influenciada por la pintura contemporánea, date cuenta, que yo hasta hace muy poco, vivía en el norte de España, que es donde tengo mi familia y mis grandes amigos, en medio de una zona, donde están dos de los mejores museos de arte contemporáneo del mundo. El museo Guggenheim de Bilbao y el museo Artium de Vitoria, dos museos fantásticos, que visitaba asiduamente. Donde aprendí muchísimo de las nuevas tendencias.
Trabajo mucho en el arte moderno o contemporáneo, en sus diferentes estilos, Informalismo o Expresionismo, Abstracto, Postmoderno, Cubismo, en la pintura también me gusta el arte del reciclaje, siempre con un gran relieve. En fin, me gusta la forma sin forma y la imagen sin imagen, poner la máxima imaginación que puede dar mi mente, a favor del arte, aunque sea simplemente para mi conformismo personal.
7. ¿Desde tu perspectiva, afirmas que escribes con la fuerza de tu espíritu?
Si, es verdad, de alguna manera, siempre he sido un revolucionario. En mi foro interno, en lo más profundo, me niego rotundamente a la injusticia más cercana, la más lejana o incluso la injusticia universal. Este donde este, me niego a someterme, a la falta de sentido común. Se supone que aquellos que nos gobiernan, tienen el conocimiento suficiente, para ponerlo en práctica, pero no hay que hacerlo para educar al pueblo, sino para hacérselo sencillo y no ser un azote, para el pueblo. Hay que saber escrutar continuamente a la gente y los gobiernos hoy en día, son pocos virtuosos en ello. Porque cuando cometen una injusticia, esperan que el tiempo, lo borre y yo me niego a eso.
No me quiero someter, a la gran conformidad, que sostiene ahora el mundo. No estoy en el favor, de mantener las desgracias callándome, por eso digo que escribo, con la fuerza de mi espíritu. Hoy hay un progresismo equivocado, que incitan y nos intentan reeducar, como haciéndonos un favor a la subordinación, envileciendo a las personas. Nos quedamos atemorizados, por si perdemos los favores. Esto es el favor a la desgracia, es decir al miedo. Mi poesía lo que hace es hablar de todo esto, creo que las personas necesitan palabras, de estímulo y yo quiero estar ahí para hacerlo.
Nos están adiestrando, en la servidumbre. Y yo me niego a asumir, ese papel. Por eso mi rebeldía personal, que tengo que expresar con palabras.
La sumisión de la gente, al destino es una ley constante, en el Mundo, la tolerancia hoy corre peligro, de ser incomprendida, por eso escribo, no quiero que las palabras pesen en mi cerebro, hasta que la obra, no haya sido acabada.
8. ¿Cómo va los movimientos poéticos en España?
Creo que el movimiento poético en España, mantiene en cierta manera la estética, de hace cincuenta años. Aunque ahora parece que hay un resurgir, de la nueva poesía, más cercana más social, o eso al menos es lo que me parece.
Percibo que hay más gente, que le interesa la poesía. Creo que se esta haciendo una poesía más solidaria. También hay otros movimientos poéticos, que empiezan a resurgir, buscando cada uno su sitio en el Mundo en la sociedad. Pero de todas maneras en España, la poesía es un mundo duro y difícil, pero como siempre gratificante, por lo menos a nivel personal. Hablo por mi, por que cada persona, que se lee un libro mío, busca ya mi cercanía incluso mi amistad, donde siempre encontramos, un cruce de emociones y sentimientos. Eso para mi es lo más importante.
GRACIAS POR LA ENTREVISTA
Gracia a ti Joseph
Editor Circuito de Arte Contemporáneo

Canto a la nostalgia - ANDREA CABEL

2009-06-27T08:52:00.000-07:00

La editorial Mesa redonda acaba de iniciar su serie de poesía –Taquicardia– con la publicación de Las falsas actitudes del agua de Andrea Cabel. Se trata de una nueva edición que añade nuevos poemas y un elemento gráfico que complementa el concepto del libro.
Correo: ¿Cómo surge esta reedición con el agregado de nuevos poemas?

Andrea Cabel: Los poemas, hasta ahora inéditos, que integran el poemario (son siete, más una foto/poema), van de la mano con el resto de poemas, con la estructura misma, porque se integran a las partes originales. Y por otro lado, tanto el manejo del lenguaje como las temáticas, o incluso las sensaciones de estos nuevos, van bien con los textos originales. Siento que, en la medida de lo posible, ahora el libro está un poco más “completo”.
C: En el libro percibo una variedad de voces que van desde la nostalgia, el despecho, la tristeza...

AC: Sí, pero no solamente existen estas voces, como bien has dicho, existe una variedad de voces y sensaciones a través de ellas. También existe calma. En esta segunda edición existe una isla que da calma y en ella se forjan nuevas fortalezas, nuevas soledades, nuevos reencuentros. La nostalgia es un sentimiento natural al que me voy acostumbrando poco a poco; ya no me causa pavor extrañar tanto. Las distancias se encogen cuando se piensa más despacio, y la poesía ayuda bastante.
C: Un elemento protagónico del libro es el lenguaje.

AC: El lenguaje, sin duda, es el protagonista de la obra, de mi vida, del mundo. Sin el lenguaje nada existiría, ni siquiera las emociones podrían materializarse. En mi libro, y en mi poética, intento trabajarlo de una manera bastante personal. Juego con él, aunque pueda sonar redundante. A veces se puede pensar que el lenguaje te mira; el problema es cómo le sostienes la mirada. Ahí llega la poesía también.
C: Zurita destaca la unidad del libro. ¿Cómo así decides afrontar el poemario de esa manera?

AC: El poemario fue creado con la intención de mantener una unidad, un hilo conductor que mantenga no sólo las temáticas, sino también las voces que se intercalan en los poemas fijos, sin perderse entre ellos. Me interesa que el libro sea un “todo” orgánico, capaz de mantenerse en pie por sí mismo. Siempre existe una intención de “orden” en los libros; aunque sea un orden subjetivo, personal, aleatorio, siempre existe.
C: En otra oportunidad me comentaste tu predilección por Egon Schiele. ¿Qué tan importante es la plástica en tu poesía?

AC: La plástica me da caminos para poder sustentar imágenes que tengo y que muchas veces no sé plasmar en palabras. Me da sensaciones fuera de contextos fijos. La plástica me transporta y me obliga a repensar las cosas muchas veces, muchas. La pintura trabaja con la materia física, quizás por eso podría ser más asequible a los ojos, a las manos, a todo aquello que nos obligue a entrar en la disyuntiva de realidad y ficción.

La nostalgia es un sentimiento natural al que me voy acostumbrando poco a poco; ya no me causa pavor extrañar tanto.

Mas datos:

Carlos M. Sotomayor Correo, Lima 31/08/07

ENTREVISTA ARTISTAS DE LA MUESTRA HECHO EN PERU / MADE IN PERU

2009-06-13T10:26:00.002-07:00

Entrevista a Fernando Guinard Director del Museo de Arte Erótico Americano - Colombia

2008-11-16T15:05:00.000-08:00

1. ¿Cómo decidiste crear este importante Museo que diriges?

Un día del año 1987 me encontraba en una orgía onírica con Amparo Grisales y Margarita Rosa de Francisco, dos de las mujeres más bellas, exóticas y sensuales de Colombia, por la intensidad de la faena, me tumbaron de la cama. Ya despierto y con el coxis maltratado tuve una visión: se me apareció la Virgen María entre una nube de humo como la que invade los escenarios en los conciertos de rock.

La Virgen me pidió que, para contrarrestar el olor a cadaverina que se respiraba en Colombia, realizara dos obras que mostraran la parte amable, sensual, lúdica y erótica de los colombianos que viven en una sociedad caracterizada por la falta de afecto.

El primer deseo lo cumplí en el año 1990 cuando publiqué El Espíritu Erótico. En este libro participaron más de ciento treinta poetas y artistas plásticos colombianos, al lado de poetas de otras geografías y otras épocas. El libro fue presentado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MamBo) y tuvo muy buenos reconocimientos en la prensa escrita.
Para la edición de este libro tuve que empeñar la pierna izquierda de mi mujer y rechazar la ayuda de un banquero que me ofreció puesto de cajero automático en Apartadó, un pueblo de la región del Urabá antioqueño perdido e inmerso entre la guerra y el llanto.
En este proyecto colaboraron el poeta nadaísta Jotamario Arbeláez quien realizó la antología poética y Álvaro Chaves Mendoza, director del Departamento de Antropología de la Universidad Javeriana y ex presidente del Instituto Colombiano de Antropología e Historia quien escribió un ensayo sobre el Erotismo Prehispánico.

En el año 2000 cumplí el segundo deseo. Inauguré, en una galería bogotana, en el marco de la I Bienal de Amor y Éxtasis de Bogotá, el Museo Arte Erótico Americano MaReA con una fiesta (happening) en la que mostré pinturas, dibujos, aguafuertes, esculturas e instalaciones. Actrices, actores y performancistas despertaron la libido palpitante en medio de humo, luces y panteras adolescentes.

El MaReA es el primer Museo de Arte Erótico que se funda en América y no tiene ánimo de lucro. Su objetivo es proteger, preservar, promocionar y estimular las expresiones del arte y del arte erótico.
Su sede es itinerante y expone e interviene donde lo inviten o acepten su propuesta artística.
Su pragmática alfabetizadora, pedagógica, académica, integradora y desembrutecedora es un gesto que alcanza la categoría de provocación artística ante una sociedad dogmática, y excluyente.

El MaReA se inmiscuye en una dinámica social que altera y deconstruye esquemas de comportamiento artísticos, sociales y culturales; genera debates académicos; es una propuesta que muestra las prácticas culturales, estéticas y eróticas de los autores, no como una aproximación a la realidad sino como una aproximación a la realidad de ellos mismos como artistas. La realidad es mi idea de realidad, decía Borges. Caigo en la idea como en un precipicio, decía E.M. Cioran. El MaReA es una proyección fonética que representa una idea que da una nueva identidad a los museos. No es una idea absurda ni arbitraria. Es lógica. No hay nada por el estilo. Tergiversa el concepto de museos para darle nuevos significados. El MaReA es un proceso artístico, un sistema comunicativo, un signo, en un contexto socio cultural caracterizado por la ignorancia y falta de sensibilidad hacia la expresión y la estética erótica; es un fenómeno histórico y social, posee su propio lenguaje para una sintaxis propia, y es portador de significaciones y valores informativos para construir su propia semántica; y ejerce influencias en un contexto social para dar ánimo a su pragmática.

Los happenings, intervenciones y exposiciones del MaReA son una experiencia artística que se identifica con la apropiación más directa y completa de la experiencia humana en el campo de la imagen del Espíritu Erótico con un poco de fabulación y locura.
Toda persona presente en un happening del MaReA participa en él con su espíritu erótico y con su voltaje de acuerdo a su concepción del mundo, del erotismo y del arte, con sus fortalezas y debilidades expresivas, conceptuales y formales.

Los happenings, intervenciones y exposiciones del Museo arte Erótico Americano MaReA son eventos culturales que son noticia por sí mismos. Se convierten en grandes eventos cuando museos, galerías, bibliotecas públicas, universidades, centros culturales y espacios alternativos ceden sus espacios para intervenirlos y dictar conferencias relacionadas con el arte, el erotismo, la sexualidad y la pornografía, como parte de su labor alfabetizadora, pedagógica y académica.

Las exposiciones del MaReA muestran obras de pintura, escultura, dibujo, gráfica y fotografía, realizadas con instrumentos tradicionales, y obras de fotografía digital, video, instalación y performancia. Obras producidas como objetos estéticos y procesos mentales.
El MaReA está en marcha, es un valioso esfuerzo a los méritos de un trabajo. Afrontamos los retos y pensamos a largo plazo, no sólo nos contentamos con ser el primer Museo de Arte Erótico de América sino esperamos que sea un digno exponente del arte erótico integral.

2. En los trabajos de los artistas que participan en este Museo ¿tienen como punto de partida la imagen pornográfica o prima más el espíritu erótico?
Algunos dicen que la pornografía solo existe en la mente de los perversos. El artista multidisciplinario Jeff Koons dice que la pornografía es alienación y que no se rompe la cabeza porque la obra pornográfica carece de significado y él utiliza la sexualidad como medio de comunicación.

Joyce Greller piensa que la gente llama pornografía a lo que les parece demasiado real.
Anthony Burgues dice que el propósito del arte es disparar la imaginación y el de la pornografía mantener la atención anclada en la carne. En el momento en que la imaginación entra en juego, la pornografía se convierte en imposible.
Otros dicen que la pornografía es lenguaje masivo que inunda los sentidos. Es exceso contra lo establecido y de alguna manera, rebelión contra las censuras. Es desborde de la imagen, dominio de lo genital en donde quien ve, es seducido/a por lo obsceno pero también por lo prohibido. La imagen del sexo masculino y femenino se vuelve juego que repite e insiste en lo real del sexo.Flavia Puppo dice que la pornografía es un producto de consumo masivo orientado a la estimulación sexual de quien lo recibe, según una lectura tradicional. Según otra lectura, la pornografía es el arte erótico de los pobres "y como se supone que los pobres son pobres materialmente, pero también de espíritu, la pornografía apela siempre a una imaginería ramplona y monótona. (...) Del mismo modo que la televisión ofrece imágenes pobres para un público concebido como uniformemente pobre, al menos en lo que se refiere a sus capacidades intelectuales, la pornografía (cuyo desarrollo, no hay que olvidarlo, es paralelo al de los géneros televisivos) ofrece imágenes pobres para un público concebido como libidinalmente pobre.Lo íntimo se vuelve obsceno en una sala de cine, en una revista, en un teatro. Lo pornográfico es un territorio de interdictos expuestos al público por una cámara, por un ojo artificial que cuenta y descubre lo que todos sabemos pero nos temíamos exponer.El checo Ian Mukarovsky, citado por Milan Chlumsky en Esthéticité, érotisme et pornographie, Revue d`Esthétique, París 1978, dice que solamente el predominio de la función estética asegura la pertenencia de los objetos o los fenómenos al dominio estético que denominamos erotismo. Este predominio jamás es estable; puede cambiar de valor, confundirse con la norma estética existente y ya no ser percibido como dominante: otras funciones (prácticas o instrumentales) pueden entonces prevalecer, y el objeto o el fenómeno pierde provisoriamente su función estética. (...) El principio de placer descansa sobre esos cambios ambiguos en los que el sentido y la significación son insuficientes e inacabados.
El maestro Augusto Rendón dice que erotismo es cuando el papá de uno le hace el amor a la mamá de uno, y que pornografía es cuando el papá de uno se va adonde las putas.
En El Espíritu Erótico Álvaro Chaves Mendoza dice que "El proceso que nace en la mirada, complacida ante la forma y el color del ser humano; en el aroma y las texturas de la piel; se prolonga en las sensaciones táctiles, en la caricia y calidez de los abrazos y se afianza en el beso, para alcanzar su plenitud en el acto sexual y prolongarse en el palpitar de una simiente en el vientre, es el erotismo.

"Lo erótico es cuanto tiene relación con Eros, el amor, en sus dos acepciones complementarias, lo físico y lo psíquico. En él caben diversas actuaciones y emociones, condicionadas a planteamientos culturales que encaminan al instinto. Es en sí un elemento más de los variados que conforman el comportamiento humano; las circunstancias sociales y religiosas lo exaltan o lo denigran, enfocándolo como un dios admirable y deleitable, o renegándolo a la consideración de pornográfico. Pero en sí, desprovisto de las connotaciones culturales, es la manera específica, perfectamente racional, pero irracional en la escogencia de su objeto, que tienen los humanos para transmitir y sentir atracciones, para gozar de su sensualidad y de su sexualidad y para dar continuidad a su especie".

El espíritu erótico es un estado de la mente que respira por el sexto sentido, el erotismo.
El arte erótico es lo que fabula el proceso erótico y hay que mirarlo como lo que es: dibujo, pintura, escultura, instalación, performancia, happening, poesía, literatura, danza, teatro, fotografía, video, mente, espíritu.

3. ¿En qué momento te enemistaste con la iglesia o la religión y los cánones establecidos que van contra los principios del erotismo?

Pienso que la gran problemática de la civilización actual es la ignorancia que es sinónimo de falta de educación o de educación conductista que satisface los intereses de instituciones a quienes les conviene que la masa continúe en ese estado de inconsciencia eterna.
Por eso nuestro slogan es libertad y desorden, y nuestro objetivo principal es enseñar a aprender a desaprender lo aprendido.
Por eso nos identificamos con Mijail Bakunin cuando dice: "Abajo todos los dogmas religiosos y filosóficos - no son más que mentiras - ; la verdad no es una teoría, sino un hecho, la vida misma es la comunidad de hombres libres e independientes. Es la santa unidad del amor que brota de las profundidades misteriosas e infinitas de la libertad individual".
La realidad es la existencia efectiva del mundo exterior y de nosotros mismos.Pero, ¿qué tal que la realidad objetiva no exista? Y que nosotros tan sólo fuéramos el sueño de un loco que es soñado por un soñador de embrujos, también loco.
Entonces existiríamos en otra dimensión, en la dimensión de los psicóticos que se inventan a sí mismos y se creen dioses como Ramsés y Nezahuacoyotl.
Estaríamos en la dimensión de la creación pura alejada de las realidades objetivas, en la dimensión del arte y las subjetividades personales cuya realidad es la idea que uno tiene de esa realidad, y todo lo demás son las realidades que los otros se imaginan.
Todos los pueblos en la historia de la humanidad, desde la prehistoria hasta nuestros días, se han hecho las mismas preguntas: ¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿Para dónde vamos?
Y tratando de responder a estas preguntas se han inventado las cosmogonías, o teorías, o religiones, o fábulas sobre el nacimiento y formación del universo, de las galaxias, de los sistemas solares, de los planetas, de la tierra, de los elementos, y de la flora y la fauna, incluidos los humanos y los alienígenas.

Los científicos, observadores analíticos, teóricos y fabuladores, por medio de la Cosmología han tratado de descubrir las leyes generales que rigen el cosmos.
Los poetas, los profetas, los fabuladores, los inventores de mitos y leyendas han creado sus propias cosmogonías, han creado a los dioses, los semidioses y los héroes, y se han emparentado con ellos, y han engendrado monstruos de grandes virtudes y defectos, tantos como estrellas tiene el universo.
Y los más avispados se han deificado ellos mismos, y han pasado por encima de la lógica y por encima de quien se les atraviese en su loca carrera hacia el poder político, religioso y económico.

4. ¿Te han bautizado como el "Quijote de Colombia o el demonio en persona", se debe esto quizá, que has emprendido proyectos casi inalcanzables?

Creo que los amigos dicen esto por cariño, porque piensan que uno y su escudero (una princesa intergaláctica, una extraterrestre loca de pechos duros y hermafrodita, antepasada de los dioses, hija del Big Bang, emparentada con Zeus y Bachué, elocuente y sensible, divina y humana, de espíritu epicúreo y heteróclito, irónica e irreverente, es una niña que no ha perdido el asombro, estrella fugaz, dominadora de la fuerza de gravedad, del tiempo, de las auroras y los ocasos) estamos locos o porque somos el sueño de un loco.

5. ¿Has trabajado con importantes artistas de seguro, háblanos un poco de la experiencia de trabajar con artistas jóvenes y maestros?

Desde que me retiré del mundo de la rentabilidad mediática como piedra angular de la existencia, he conocido muchos artistas que me han heredado verdades y mentiras.
El maestro Augusto Rivera Garcés, muerto en 1982, me enseñó a no tragar entero las mentiras con que nos alimenta el establecimiento. Recuerdo mucho una sentencia que repetía a diestra y siniestra y que había memorizado del Martin Fierro de José Hernández que dice: Lo que pinta este pintor ni el tiempo lo ha de borrar, no pinta el que tiene ganas sino el que sabe pintar.

El maestro Armando Villegas me enseñó los misterios de la pintura y de él tomé el espíritu del guerrero que triunfa sobre las zancadillas que tienden los seres limitados. Del maestro Fernando Botero he aprendido a tener el espíritu pionero, de él admiro su sencillez, su generosidad, su originalidad y su gran capacidad de trabajo y servicio.
Del maestro Alejandro Obregón aprendí cómo se produce arte con tierra y luz con materia.
De Jim Amaral y Olga de Amaral he aprendido que la imaginación es la madre del hecho artístico, y que más importante que la fama y la gloria es ser buenas personas.

De Ángel Loochkartt he aprendido que a las mujeres hay que seducirlas con requiebros eróticos.

De Fernando Maldonado he aprendido que los sabios hablan poco, escuchan mucho y son excelentes amigos.
De los jóvenes he aprendido su espíritu desmadrado, inmanejable e impredecible.

6. ¿Has llevado adelante proyectos curatoriales, dirigido grandes publicaciones que involucraron más de 20 embajadas e instituciones, fue difícil todo aquello?

Lo difícil es no hacer cosas. Todo trabajo exige un esfuerzo en el que hay que saltar muchos obstáculos, principalmente los que ponen los burócratas, los corruptos y los imbéciles.

7. ¿Alguna vez te han catalogado que vas como fuera de la corriente por dirigir MAREA o todo lo contrario?

Cuando uno es pionero el camino es más difícil, sobre todo en estos países subdesarrollados donde existen muchas brujas terribles, anorgásmicas, que no se las come ni el marido, con parcelas de poder que tuercen la jeta cuando oyen hablar de amantes estéticos, y donde también existen hipoactivos que tienen la libido defectuosa, aversión a la sexualidad, al placer, al erotismo y al arte erótico, debido a taras dogmáticas y genéticas.

También hay curadores y directores de museos, limitados, conductistas y miopes, que dicen que un museo de arte erótico no tiene sentido, que sería como hacer un museo del paisaje o del bodegón, o que debería depender de un museo de arte moderno o contemporáneo.
Para cumplir sus deseos hemos inaugurado el museo del paisaje, y vamos a inaugurar el museo del rock, y vamos a crear el museo de arte moderno del MaReA (MaMaReA) y el museo de arte contemporáneo del MaReA (MaCMaReA), itinerantes y virtuales como el monstruo que los engendró.

8. ¿Has pensado internacionalizar vuestro Museo de Arte Erótico Americano y llevarlo a países de Sudamérica como Perú o Argentina?

Virtualmente es el museo de arte erótico más visitado por internautas de América y Europa. Por algo será. La realización de exposiciones reales en ciudades de otros países es un poco complicada si no hay invitación oficial con todos los gastos pagos. No olvido a un maldito coronel director de aduana en Tulcán, Ecuador, corrupto como la madre que lo parió, que me exigió dejarle en efectivo US$ 100.000 por dejar entrar una muestra del MaReA a la Casa de la Cultura Ecuatoriana en 2004. El estúpido pensaba que uno como director de un museo es multimillonario, y que entonces le ofrecería un soborno para poder realizar la muestra. Por fortuna mi espíritu guerrero lo denunció y se perdió con la jeta llena de silencios.

Me gustaría que el MaReA fuera invitado al Perú con todos los gastos pagos y patrocinado por el estado. Así tendría el placer de danzar con Isabella Fendi, la primera peruana que se vinculó al MaReA, al ritmo de nuestros deseos.
Y me gustaría ir a la Argentina, y a Europa, y a Marte, Deberían invitarnos antes de que el planeta colapse.

Gracias por la entrevista.
Joseph De Utia

ENTREVISTA A MARIO FLORES Y SU PARTICIPACION EN ART BASEL

2008-11-12T14:53:00.000-08:00

JORGE CASTILLA-BAMBAREN Y LA IMAGINACION DE AMERICA LATINA

2008-10-27T20:34:00.001-07:00

Calificar hoy a un artista de expresionista equivale a confesar que no se sabe que etiqueta ponerle, más aun si se utiliza ese término antepuesto del prefijo neo. Al hablar de neoexpresionismo hay un implícito reconocimiento: expresionismo es el nombre de un movimiento que ha comienzos del siglo XX se dió particularmente en Alemania pero que tuvo su gran antecedente en las obras de Van Gogh. Por lo tanto, neoexpresionismo significa relacionar con aquella vanguardia a artistas posteriores. De esta manera, ese calificativo impide una real aproximación a ellos, a lo original de cada uno. Pero como se trata, por lo general, de clasificar –como quién agenda nombres en una libreta- la creación artística para contenerla a esta, y poder así dominarla, evitando que nos moleste, se ha instaurado, particularmente en América Latina, un vicio que es el de afrontar lo propio haciendo referencias a la historia del arte occidental y a los países llamados centrales.

He hecho, esta aclaración como manera previa a abordar la obra de Jorge Castilla-Bambaren, a quién se lo suele calificar de neoexpresionista como si así se definiese algo respecto a su obra. Ni siquiera este término sirve –como en algunos otros casos- para señalar su pertenencia a una familia artística diferente de la geométrica, porque él también se nutre de esta experiencia. Con esta costumbre viciada se olvida la famosa sentencia de Rimbaud: “Yo es otro. Si el cobre se despierta clarín no es por su culpa”. El término expresionista pone el acento en el yo olvidándose de lo otro que deviene en el acto creativo. Así como uno sabe lo que va diciendo en la medida en que lo va formulando, el artista sabe la imagen que va enunciando en la medida que la va haciendo, y allí surge la sorpresa de la obra. Es así que Castilla-Bambaren, como auténtico artista que es, ha ido conociendo al otro Castilla-Bambaren, el que se va formulando a través de su obra: Él nos revela las presencias que nacen de su mano de pintor, de las cuales es el primer contemplador. Vienen del caos creador -lo que Gilles Deleuze define como “caos–germen”- y quedan así fijadas inmóviles ante nosotros (un nosotros que lo incluye a Castilla-Bambaren) como si fuesen eternas. Con fuerza y precisión, él las define como si viniesen de un cuento para niños, pero para esos infantes que lo somos todos, más allá de las edades. Estas presencias ominosas, amenazantes, él nos las presenta como si fuesen mascotas, ya que a lo largo de su vida ha ido tomando confianza con ellas. Su salvajismo es su dignidad de artista. Castilla-Bambaren se ubica frente al mundo como un primitivo, sintiendo que este lo excede. Pero en este caso, el “exceso de objeto”, del que habla Levi Strauss, es más cultural que natural.

Al negro profundo y grueso del trazo definitorio de su imagen, el color categórico lo complementa (como el adjetivo al sustantivo). No obstante, la fuerza de las imágenes es tal que –como en otra ocasión lo ha hecho- puede definirlas en blanco y negro. Paradójicamente, ellas se estructuran con una presencia de piedra pese a su conformación orgánica.
Su bestiario es la consecuencia de un hombre de América Latina –más precisamente de Perú, a cuyo pasado precolombino el homenajea en su hacer como si aun estuviera presente- que asume su contexto reinventándolo.
Sus imágenes están más allá del drama de nuestro continente pero solo de él pueden haber nacido.
¿Se entiende ahora que el concepto de expresionismo individualista no le corresponde a su obra?
Castilla-Bambaren pertenece al grupo selecto de artistas que contribuyen a imaginar a América Latina.
Luis Felipe Noé
Buenos Aires - Argentina 2008
http://en.wikipedia.org/wiki/Luis_Felipe_Noé

ENTREVISTA A MAURO HERLITZKA DIRECTOR INSTITUCIONAL DE FERIA PINTA

2008-10-18T19:22:00.000-07:00

FOTO DIRECTORES
IZQ. Alejandro Zaia, chairman de PINTA
CENTRO. Mauro Herlitzka, director institucional de PINTA
DER. Diego Costa Peuser, director de PINTA

1. ¿En que momento decidió ser Galerista y director de una feria tan importante como lo es PINTA 2008?
MH: Nunca fui galerista. Me desempeñé en fundaciones dedicadas al arte. Fui presidente de arteBa Fundacion y el equipo de Pinta me propuso sumarme a su equipo en junio 2007. Me pareció un desafío importante que ha resultado exitoso.
2. ¿Cree UD. que vuestra feria fomenta las propuestas de los artistas latinoamericanos por encima de los representantes norteamericanos?
MH: Pinta es una organización estadounidense en la que colaboramos y dirijimos latinoamericanos. No se trata de quién es más importante, sino de estimular por diversas vías la difusión y mercado del arte latinoamericano.
3. La Feria ARCO destaca en Europa, ARTEBA en Sudamérica ¿pretende PINTA consolidarse aun más como feria internacional?
MH: Es una feria internacional en la que desarrolla el segmento de mercado de la producción artística latinoamericana desde la ciudad de Nueva York
4. ¿En sus palabras piensa UD. que el arte latinoamericano debe posicionarse en el ámbito comercial en el mercado global?
MH: absolutamente y lo viene consiguiendo.
5. ¿Es más importante lo comercial que lo trascendental por así decirlo?
MH: definamos primero qué se entiende por lo trascendental. Si ello es el valor simbólico del arte, desde ya es más importante y posiblemente sea eso lo que tenga mayor valor comercial en el futuro.
6. De seguro ha conocido UD. maestros importantes contemporáneos latinoamericanos y de otras latitudes?
MH: Sí, muchos
7. ¿Qué expectativas hubo de la prensa neoyorkina de la trascendencia de Pinta 07, críticas favorables quizá? ¿Qué espera de esta versión ultima PINTA 08 en cuanto a crítica?
MH: La prensa de NY fue muy positiva. El artículo del diario The New York Times del año pasado es la prueba. Esperamos que este año también se repita.
8. Finalizando esta entrevista, cree UD. que aquí a unos años predominará una generación de artistas de gran importancia .Puede citarnos algunos nombres?
MH: Dejemos que el futuro hable por si mismo y esos nombres aparecerán.

SOBRE MAURO HERLITZKA

Director institucional feria latinoamericana de arte moderno y contemporáneo de Nueva York, PINTA. Hombre de negocios, ejecutivo que ha desempeñado actividades en las áreas financiera, bancaria, agroindustrial, inmobiliaria e industrial. Coleccionista de arte. Director del Centro de Documentación sobre la Historia de las Artes Visuales en Argentina, Fundación Espigas. Segundo Vice presidente de la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. Miembro del International Council of the Museum of Modern Art, New York (MOMA) y del Latin American and Caribbean Acquisition Fund de ese museo. Ex director de arteBA Fundación, Buenos Aires. Ex miembro del consejo de The Frick Collection, New York.

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Por Joseph De Utia para Circuito de Arte

EL ARTE DE AURELIO DE LA GUERRA

2008-08-01T13:39:00.001-07:00

Entrevista a Miguel Velit:Proceso preparativo

2008-07-19T08:45:00.000-07:00

ENTREVISTA A SANDRA CHAIGNON DEL CDAPC

2008-07-01T15:06:00.001-07:00

Entrevista a Ernesto De Oliveira Galerista de Espacio Kubiko en España

2008-07-01T14:02:00.000-07:00

¿En que momento decidió ser Galerista y dirigir una galería importante como lo es Espacio Kubiko en su país?

Es una decisión meditada y madurada la de abrir una galería en Madrid por tradición familiar primero mi abuelo en Lisboa, como posteriormente mi padre tanto en Lisboa como en Madrid han sido anticuarios y desde pequeño he estado siempre muy vinculado al mundo del arte en un principio estudiando en Madrid arte y antigüedades y posteriormente gestión y dirección de galerías de arte y colaborando con anticuarios y galerías de arte tanto en Lisboa como en Madrid y Florencia.

¿Qué es lo más gratificante de ser Director de una Galería?

El trabajo directo con todo lo que rodea a una galería de arte el trato directo tanto con prensa y medios de comunicación como con coleccionistas artistas aficionados al arte… La evolución personal que se crea entre las relaciones personales entre la galería y el propio artista, poder ver su evolución su trabajo en ocasiones aconsejarles personalmente sobre su trabajon en ocasiones el desaliento puede rondar su trabajo y es también función del galerista estar en ese momento como amigo personal de la mayoría de ellos para apoyar su obra, es , con el tiempo muy gratificante ver que con el paso del tiempo artistas que han pasado por tu galería exponen ahora en una importante fundación o en proyectos internacionales ver que su trabajo y su obra es reconocida y valorada.

Habrá conocido artistas importantes y contemporáneos?

En mi trayectoria profesional he tenido el privilegio de poder conocer artistas de reconocida trayectoria internacional, es para mi actualmente mucho mas gratificante poder trabajar y estar en contacto directo con artistas emergentes que en un futuro, sin ningún tipo de duda serán también muy reconocidos poder ver su trayectoria tanto artística como personal.

¿Cree UD. que las galerías de arte tanto en la capital y las ciudades importantes de España aumentan día a día?

Las estadísticas actuales así lo demuestran, ya no solo en las capitales principales si no en la mayor parte de las provincias Españolas. Cada vez abren nuevos espacios y el interés por el arte se refleja tanto en la afluencia del público como en la apertura de nuevos Museos, así como por las numerosas ferias de arte que todas las provincias realizan

En la muestra organizada por UDS. de Obra Gráfica Internacional que coincidió con la Feria ARCO, hubo obras importantes como la Antoni Tapies y Dalí. ¿Qué más nos puede contar de ello?

Disponemos de un importante fondo de arte de obra gráfica de importantes artistas a nivel nacional e internacional, durante el mes de Febrero decidimos que sería una excelente idea dar a conocer esta versión de la galería y presentar la obra gráfica de estos artistas también con la idea de atraer a un tipo de coleccionista joven que pueda comenzar una colección de arte importante de artistas muy destacados seleccionados por la galería. Tuvimos una gran repercusión por ello y excelente respuesta por parte del público y estamos muy satisfechos con esta decisión que repetiremos en otras ocasiones.

La Feria ARCO es una de las principales en España y en Europa, ¿Existe otra que se puede comparar con ella?
Actualmente hay numerosas Ferias de arte tanto por todo el territorio español como en las más importantes ciudades europeas.
Bassel en Suiza es actualmente en Europa la Feria de arte mas importante y reconocida tanto por la calidad de las galerías seleccionadas como por las obras presentadas , la afluencia del publico así mismo el nivel de ventas de Bassel no es superada por ninguna otra feria. Hay otras Ferias importantes en Europa tanto en Francia como en Italia o Portugal.
En España ARCO es la principal Feria de Arte cada año se supera así misma tanto en las galería y obras presentadas como en las actividades que se realizan paralelamente coloquios conferencias… las instalaciones cada año son mejores y su repercusión internacional cada año es mas importante se esta creando un sello personal de ARCO una filosofía de Feria de Arte.
Así mismo coincidiendo con los meses de Enero y Febrero se celebran a su sombra numerosas Ferias de arte aprovechando la fuerza y el interés que ARCO suscita en el público general. ¿Desde su perspectiva como ve le mercado del Arte mundial?
El arte es actualmente uno de los refugios más importantes de la economía.
Prueba de ello son las pasadas subastas realizadas en Christies o Sothebys que han vuelto nuevamente a superar límites históricos, también en España el interés y las ventas han sido crecientes.
El público cada vez está mas interesado y mas formado en arte, su interés es creciente, nosotros desde nuestra visión tanto de galería de arte como de Art-Dealers aconsejamos a nuestros coleccionistas de cierta manera, los formamos para que visiten las nuevas fundaciones o museos que se abren en una ciudad los aconsejamos sobre ciertas obras en las cuales están interesados y estos a su vez cada vez acuden mas bien a solicitar nuestra opinión personal a la hora de adquirir una obra como a la hora de visitar estas nuevas instalaciones.
El mercado del arte actualmente es uno de los bienes de consumo mas seguros en los que invertir.
¿Y el mercado en España cree UD. que va en aumento?
El mercado Español no es ajeno a los cambios mundiales que se producen a diario, el interés por el público asi como la adquisición de importantes obras es un hecho. Las casas de subastas aumentan sus ventas y visitas también las galerías de arte tienen una mayor afluencia de público y la asistencia a Ferias es cada vez mayor.
¿Cómo ve el Arte Latinoamericano?
Pudimos ver en la edición pasada de ARCO la presencia de Brasil como país invitado representando a Latinoamérica.
Cualquier país Latinoamericano invitado a la feria hubiese sido un digno e importante representante del arte actual que se realiza en el continente sur americano.
La importancia de sus artistas se ve también reflejada en exposiciones que se realizan en las galerías españolas y europeas hay actualmente un interés por los artistas latinos y por sus métodos de trabajo artistas de una gran personalidad y con un lenguaje propio .
Es actualmente un grupo enorme de artistas emergentes que van a llegar con mucha fuerza a Europa en los próximos años nosotros desde galería Espacio Kubiko siempre hemos dado paso a alguno de ellos tanto en pintura como fotografía video instalación……y tanto para este año como para el próximo año 2009 tenemos en nuestro calendario expositivo artistas Latinoamericanos de excelente calidad a los cuales intentamos proyectar tanto a nivel nacional como internacional.
Nos gusta estar un paso por delante de los espacios físicos convencionales ya nuestro espacio al ser completamente virtual está actualmente por delante de los físicos no hay trabas a la hora de visitarnos todo son facilidades para el visitante y coleccionista, desde el envío de imágenes o dossieres personales de los artistas a la presentación personal en domicilio de los coleccionistas de las obras en las cuales esta interesado está vez e la hora de presentar a artistas latinoamericanos, pretendemos también estar un paso por delante ya que en un par de años pensamos que estos artistas van a tener un peso muy importante en nuestro país.
Es muy importante adelantarse a los acontecimientos.
Actualmente se da mucha importancia a artistas orientales que en mi opinión no tienen la importancia artística y la relevancia que los latinos tendrán dentro de un breve tiempo.
Creemos en estos nuevos artistas.
También publicaciones tan importantes como la vuestra hacen que la figura de los artistas tenga una representación más allá de sus países que sean conocidos y valorados.
¿Qué espera de un Artista cuando viene a Espacio Kubiko, que trascienda por su trayectoria por encima del ámbito comercial?
Es muy importante tanto para el artista como para la galería no hay que negarlo la trascendencia comercial y las ventas.
Desde Galería Espacio Kubico promocionamos las obras de los artistas en muy diversas plataformas informativas dentro del mercado del arte.
Espero sobre todo y principalmente un trato afable y educado con los artistas es algo primordial en unas relaciones que se van a mantener durante mucho tiempo.
No solo conocer su obra su biografía y su CV, también conocer su vida adonde encamina sus pasos, un trato directo y personal con este es también indispensable tanto para conocer su trabajo como su persona.
Finalizando esta entrevista. En su opinión personal cree UD. que venga de aquí a unos años una generación de artistas de gran importancia como fueron los maestros Miró, Dalí y Tapies o Picasso?
De momento los grandes nombres dentro del arte están naciendo ahora estan realizando sus primeras exposiciones están realizando sus primeros trabajos estos les llevarán con el tiempo a conseguir un lenguaje personal una evolución coherente de su trabajo.
Lo que no creo ya es en el cierto “romanticismo” que se ha creado del artista decrépito esa figura de ese tipo de artista harapiento deprimido de principios del siglo XX que es devorado por sus circunstancias, el artista del siglo XXI tiene otros modos de funcionar de trabajar muchos incluso según el lenguaje artístico que trabajen como la foto el video el Net Art, el Nano Art o Nanotechnology, las instalaciones el video arte…….ya no trabajan en un estudio trabajan directamente en laboratorios por lo cual la figura de ese artista antiguo ese halo de decadencia personal no es posible en los nuevas artistas de principios del siglo XXI.
Los grandes nombres se están ahora forjando ya hay muchos artistas que fueron emergentes hace 5 años que hoy comienzan a recoger los frutos de ese trabajo personal y que son reconocidos en Ferias internacionales queda ahora nueva generación que los va a seguir entre ellos estoy seguro artistas también de una gran relevancia internacional que serán de origen latinoamericano.
GRACIAS POR LA ENTREVISTA
Por Joseph De Utia

Participación de Daniel Juárez en ARTEBA 2008 Buenos Aires - Argentina

2008-05-31T16:33:00.000-07:00

1.-En los trabajos anteriores de tu producción el punto de partida o de exploración es la icnográfica religiosa, cómo es que has ido deviniendo hacia un arte en donde ahora este punto de partida, como bien dices tú es la imagen pornográfica.
Daniel Juárez: Supongo que mi fascinación por los opuestos es lo que me lleva a trabajar por algunos momentos con religión y en otros con erotismo. Tambien creo, como dice Italo Calvino en “Las ciudades invisibles”, que la obra humana, al igual que los sueños, está hecha de miedos y deseos y son esos dos polos los que me mueven a hacer obra.
2-En que momento te enemistaste con, digamos la iglesia o la religión, y cómo es que o por qué camino volviste a amistarte con ella.
DJ: Creo que nunca hubo una enemistad declarada con la religión, tal vez sí un distanciamiento. Durante muchos años la asociaba con la culpa, con el miedo, con las obligaciones hasta que en Brasil (pais en el que viví durante 8 años) observé que el acercamiento a la religión se daba desde otro lugar, mucho mas alegre, sensual y agradecido.
3.-Es sin duda que después de una larga estadía, Rio ( Brasil) ha influido en tu pintura, inconscientemente haz utilizado colores que se encuentran en las piedras de las aceras que componen la ciudad; como es que has tomado aquel lado sensual para finalmente abstraerlo de manera erótica.
DJ: Esto se dio de forma inconsciente. Es imposible vivir en una ciudad con una energía tan fuerte como la de Rio de Janiro sin que esa energía aparezca en la obra de uno. En ningún momento me propuse que mi serie erótica remita a la sensualidad carioca pero al ver mi trabajo en perspectiva no puedo negar lo mucho que esta ciudad me influyó. Mientras estaba trabajando en esta obra recibí la visita de un amigo brasilero que me trajo de regalo un libro llamado “El Rio que piso” con fotografías de las veredas cariocas hechas con piedras portuguesas y comprobé lo mucho que estaban relacionadas con mi trabajo.
4-En esta ultima entrega hay un fuerte trabajo de detalle, refiriéndome a la técnica empleada, como crees que esa tensión estética, visual se ejerce en el espectador?
DJ: Creo que la técnica empleada da muestras de mi grado de obsesividad, aunque suene gracioso, siento que ese meticuloso trabajo, la elección de cada pedacito de papel que será pegado con una pinza hace que el trabajo genere una especie de locura organizada. Como anécdota recuerdo el día que lleve a enmarcar mi obra más grande y el enmarcador al verla se asustó y sólo atinó a decir “estás loco” lo que obviamente tomé como un elogio (risas).
5-Cuando dices, citando a Borges (que con mucha razón decía) que lo mas importante es estar enamorado, no ser correspondido y luego a Mann con aquello de no debería existir semejante cosa, pero no me atrevo a desear que no exista, pues hay ahí una búsqueda un tanto libertaria, eroscópica (refiriéndome a las gravitaciones del deseo) como defines en esta serie de trabajos las pulsiones o la existencia de esas fuerzas?
DJ: En “La montaña mágica” de Thomas Mann uno de los personajes que está perdidamente enamorado de una mujer a la que apenas conoce sostiene una discusión con sus amigos al sentirse incomprendido, ya que sus amigos no podían creer que su sentimiento fuera tan fuerte. Creo que la experiencia de estar enamorado es tan potente (a nivel pulsional) como el mismo amor, pocas veces el ser humano pude sentirse tan movilizado como cuando gusta de alguien.
Proyectos en ejecución
6.-En tus trabajos dices utilizar el humor, cuéntanos un poco de aquel proyecto Domingo fin de tarde, en donde abordas el suicidio y de seguro también la depresión, de que manera se podría incluir en ese trabajo el humor si es que asumes incluirlo.
DJ: Es en ese trabajo donde mas fuertemente aparece la idea del humor. Con Marcela Valero Narváez manejamos los mismos códigos de humor y se fue dando naturalmente que al encarar el trabajo comencemos a agregar objetos, poses y guiños que podían ser entendidos desde el humor. No me interesan los trabajos que parten de un chiste o un golpe de efecto, me parecen mucho mas interesantes las obras que trabajan con el humor pero desde un lugar mas sutil, buscando la complicidad de el observador.
7- De qué se trata Amor Roma?
DJ: Amor Roma es un proyecto de Gomitas Surtidas donde en una especie de cadáver exquisito, y a partir de un sorteo, cada uno de los integrantes del colectivo recibía una obra que servía de disparador para generar una obra nueva. Fue muy agradable formar parte de ese proyecto donde varios artistas se reunieron para trabajar en algo donde lo lúdico nunca se perdió.
8-Estas preparando una serie de diez collages para la publicación de un próximo libro y también al parecer una serie de ideogramas, hay una preocupación constante por seguir ejecutando proyectos, en tu pintura puntualmente, hacia donde crees que te esta llevando, qué es lo que te exige en este momento.
DJ: La serie de collages forman parte de un libro de artista llamado “Celestial” y las sentí como un respiro en medio de mi obra. Me dio mucho placer realizar cada uno de los collages, y descubrí una forma de trabajar mucho más espontánea y libre. Creo que es en esta serie donde pude dejar un poco de lado mi forma obsesiva de trabajar.
9-Finalmente que esperas en relación a lo que aquí presentas en esta nueva version de ArteBa 2008
DJ: Creo que ArteBA es la gran vidriera del arte que tenemos en Buenos Aires, para nosotros los artistas es una excelente posibilidad de mostrar nuestro trabajo y ver que es lo que pasa en el que lo observa. Como lamentablemente en mi ciudad no existe una bienal de arte, ArteBA nos permite de alguna forma entrar en contacto con trabajos de artistas de otros países. Es una especie de gran catálogo de lo que está pasando en el arte contemporáneo, donde aparte del lugar que tienen los artistas consagrados hay lugar también para los emergentes.
Pablo Villaizán
Lima, Mayo 2008
All right reserved

TURBULENCIA EN EL ESPEJO

2008-04-07T13:00:00.000-07:00

Entrevista a José Luis Carranza por Jorge Castilla-Bambarén
En tus cuadros, se aprecia un espacio semi tropical, electrificado, luminoso donde hay unos personajes interactuando entre geometrías coloridas, hojas, objetos y animales-híbridos. Cuéntanos como empiezas estos cuadros..¿Hay bocetos? Haces dibujos preliminares en el lienzo? o pintas directamente improvisando y siguiendo la inspiración del momento?
Mi método de trabajo es bastante accidentado, de alguna forma estoy enlazado a las tretas automáticas del surrealismo y la libre asociación de ideas ya que los dibujos preparatorios para cada lienzo son mas bien escasos. Solo en algunas ocasiones , cuando el tema en verdad me obsesiona y se presenta como un nuevo motivo me animo a hacer bocetos, pero por lo común prefiero enfrentar directamente al lienzo, dibujando con el pincel y tanteando todas las posibilidades de acuerdo a mi estado de animo y las exigencias del primer ataque (hablo de los primeros trazos en el lienzo). Cada nuevo cuadro se enlaza con el anterior, soy bastante repetitivo y tengo muchos motivos recurrentes : el quirófano, las junglas, los santos mártires, las iracundas bestias, las mandíbulas, los ojos , los músculos y tendones, etc., todo eso es mi trabajo, y va aflorando a medida que voy avanzando, es natural que hasta sienta sonidos u olores, son una suerte de señas para saber por donde ir, escuchar el grito del minotauro durante la merienda me obliga a cubrir todo lo hecho y empezar de nuevo, mi obra se construye también con capas tectonicas, costras, queratina y callosidades, cada tema aplasta al anterior, es natural también que el tema inicial desaparezca para dar paso a otro , no existe el cuadro definitivo, es mas, no existe la obra terminada , si por mi fuera la pintaría una y otra vez , hasta destruir todos los contenidos y anular todas las formas.
Empleas el soporte de la pintura y el dibujo para tus exposiciones sin embargo en una oportunidad, realizaste una instalación. Cuéntanos que materiales y técnicas utilizaste. Como fue esa experiencia? Qué reacciones tuvo el público que recorrió ese espacio?
La instalación de la que hablas fue hecha en el año 2007, para una muestra colectiva en el centro cultural de la Escuela de Bellas Artes. Era la primera vez que trabajaba pensando no solo en la bidimension de los oleos, sino en todo un montaje escenografico que trajera a nuestra “realidad” algunos de los motivos que caracterizan mi obra. Todo era un sanatorio, un pulcro, blanquísimo y abarrotado sanatorio, el espacio medía apenas dos metros por lado, era un cubo perfecto y en él traté el tema del herido de guerra, un monstruoso e histérico habitante de mi tanatorio, una suerte de alter ego heroico y decadente, un cachivachero y acumulador de recuerdos de guerra, o de su propia vida si se quiere. Este ya estaba presente en muchos de mis trabajos , siempre me he auto representado como este caballero que no anda nada sano y que anda también pegado al frasco de calmantes. Para este espacio, tan pequeño desde un principio, quise traer reliquias personales, objetos de mi vida personal: pastillas, mechones de cabello, un viejo botiquín, pinturas antiguas, dibujos, muletas, bastones, fotografías, material quirúrgico, cráneos humanos, esqueletos de aves y demás despojos orgánicos. Todo esto debía orquestarse dentro del reducido espacio y dar la sensación de ser un espacio prohibido, una mezcla de museo, habitación de adolescente, quirófano y altar religioso. Era un hecho que también quería lograr una mimesis con el actual estado fragmentario de la realidad, una superposición de imágenes, un bombardeo de información . No buscaba comentar un hecho real o alguna situación social de de la que me hallara inconforme, mi trabajo se enfocaba a otras dimensiones, mas psicológicas o mas neuróticas al fin y al cabo. Sin ánimos de cambiar el mundo y sin ánimos de aleccionar al prójimo. Mi sanatorio fue expuesto en ese contexto, era mi mundo íntimo, algo así como armar una maqueta de mi estudio o mi habitación personal en un lugar público. Fue interesante ver como el publico interactuaba con cada uno de los objetos y como también se veía reflejado de alguna forma en alguna de mis imágenes. En nuestra época ya no existen las sorpresas, el horror transmitido en mi trabajo era tomado como algo cotidiano. Me gustó bastante esa primera tentativa de instalación, espero hacer cosas mejor logradas para los próximos proyectos.

Cómo es la rutina de cualquier día de trabajo artístico en tu taller.
Cómo es de esperar, carezco completamente de horarios de trabajo, pinto durante todo el día y de manera entrecortada, prefiero el día a la noche y mis interrupciones se dan para leer algún texto o libro que tenga a mano y que me interese en sobremanera, desempolvar algún cúmulo de osamentas al que tenga un desmedido afecto, atender mi gastritis crónica, observación de especimenes entre otras cosas. La pintura es una ocupación que invade casi la totalidad de mis pensamientos, eso no quiere decir que esté con el pincel amarrado a la mano, de ninguna manera, me refiero a que pienso constantemente en pintura, en todo momento y cuando estoy en el taller pues esos pensamientos se cristalizan y terminan embarrados en un lienzo. La mañana siempre es caótica, todo está revuelto y empiezo bastante temprano. Dibujo algunas cosas que tengo en mente, luego empiezo a retomar las pinturas y a resolver los embrollos en los que me metí el día anterior (siempre hay cosas que resolver); siempre trabajo en varias obras de manera simultanea, jamás las avanzo una a una, es una necesidad imperiosa el estar siempre rodeado de imágenes, de ojos , de mandíbulas, detesto el vacío y de hecho, un taller en blanco solo me causa horror. El trabajo cotidiano es pesado y debo confesar que no es algo que disfrute de manera alegre, la técnica posterga demasiado a la idea inicial, el proceso mas bien es angustioso y lleno de dudas , tanteos , aciertos y metidas de pata monumentales, la pintura no una diversión para mi, Renoir podría odiarme de por vida, pero no, no me relajo ni me pongo feliz, prefiero ver la obra concluida y contemplar el espacio habitado, antes era el blanco, ahora no existe mas y su terrorífica presencia fue velada por formas y figuras nuevas. El día de trabajo en el taller es ,en suma, una especie de odiosa rutina de quirófano en donde quien me vea trabajar me ve mas tiempo sentado frente al cuadro , contemplando al enfermo ,antes que actuando sobre el. La pintura es el centro de mis ocupaciones y el centro tambien de mi pensamiento, por el momento no puedo hacer otra cosa, es insustituible y a la vez es angustiante.
Tus cuadros poseen color y luz intensa. Las gamas de colores utilizadas te acercan al pop art, a la animación y al mundo del comic. Coméntanos sobre esto y también si el lenguaje del graffiti es algo que te atrae..
Todo creador de imágenes se halla inmerso en una época, pertenezco a una época y como tal, me hallo irradiado por las expresiones que tú citas; hablo del diseño, la animación, el comic y el graffiti ;es natural que un pintor en la actualidad eche mano a estas formas de creación para ampliar su discurso artístico. En lo personal, siento que mi trabajo se nutre de todo esto. La coloración de mi pintura no solo viene de las influencias pictóricas convencionales, también viene del diseño y la publicidad, recordemos que el bombardeo de imágenes es despiadado en estos últimos días, toda persona es un receptáculo de imágenes a tiempo completo. El graffiti por ejemplo es algo que se halla en ebullición, me interesa bastante. Es genial transitar por algunas calles y ver las barroquísimas creaciones de los colectivos que practican esta técnica, colectivos como El Codo y Fumakaka son los que desde hace unos años se encargan de producir esas imágenes delirantes que de una manera descarada invaden nuestras paredes en Lima, su concepción del mundo traducido en imágenes, sin discursos panfletarios y sin la obviedad de quien comenta hechos de la prensa barata, se convierte en una de las formas mas sólidas de expresión en nuestro medio.

Tu arte nos revela figuras y animales fantásticos (que comparten algunas características con la realidad cotidiana); también nos evidencia una fuerte voluntad de explorar mundos y otras dimensiones. Tienes especial interés en la entomología, la anatomía, la criptozoologia etc..? Explícanos al respecto de eso y también si te interesa la ciencia ficción.

Desde luego, siempre sentí interés por esos temas, la anatomía por ejemplo , es una constante en mi trabajo y en mi modo de vida, siempre estuve rodeado de libros de medicina y anatomía, huesos, escalpelos y demás cosas(en parte por mi padre y también por propia afición) ,me interesa el valor visual de la disección de un cuerpo; el funcionamiento de todo este aparato posee , para mi , una hermosura inigualable; los brillos de las vísceras y mucosidades o los tonos rosados de ciertos órganos, la perfecta construcción de un cráneo, la monumentalidad del tracto digestivo que extendido se parece a un calamar gigante, los destellos de una boca abierta, los dientes (en esto coincido de manera descarada con Francis Bacon) , las venas y las arterias que magnificadas parecen una perfecta obra abstracta . Todo eso es lo que veo. La zoología también fue un foco de interés para mi, desde siempre, a la par con la pintura ; la colección de especimenes y el estudio posterior fue una ocupación que disfrutaba bastante antes de la llegada de la pintura como centro de mis actividades. Los animales o las bestias mitológicas también vagabundean en mi pintura, se dejan ver de vez en cuando ya que son usadas con fines alegóricos; el minotauro, las libélulas, el argentavis, el kraken o las salamandras son representaciones de las diversas patologías y virtudes del ser humano , como en la pintura antigua, echo mano a la criptozzologia para enriquecer los significados. Todo es pura alegoría. La ciencia ficción fue una afición que dejé de cultivar hace muchos años, ahora me interesa menos que antes, pero es destacable que por influencia paterna , mis lecturas de Isaac Asimov en la infancia fueran frecuentes, deduzco que de todo eso haya quedado recuerdos y que ahora afloren en algunas composiciones.

En tu personal estilo neofigurativo uno descubre alguna cercanía con el espíritu de crítica y reflexión existencial de los grandes artistas Otto Dix y George Grosz. Que otros artistas o movimientos de la historia del arte te han interesado o influenciado?

Las influencias en mi obra son notorias, somos herederos de todo lo hecho antes en el arte y a estas alturas sería un crimen proponerse ser un genio innovador, para tal caso, yo me separo de toda pretensión innovadora y muestro sin ningún reparo las canteras de las que proviene mi trabajo . Si hablamos de influencias podría citar sin lugar a dudas a buena parte de los artistas expresionistas de la primera mitad del sigloXX , desde Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann,Ludwig Meidner y Oskar Kokoschka para de ahí saltar hasta la obra de los artistas de la década de los 80 en Alemania e Italia, me refiero específicamente a la obra de Jorg Immendorff , Georg Baselitz y Markus Lupertz , también a la trasbanguardia italiana, Enzo Cucchi y Sandro Chia ; no descarto el interés puesto en el trabajo de artistas anteriores a estos, autenticos animales solitarios en todo el panorama del arte, me refiero a monstruos como Francis Bacon, Lucien Freud, Ronald B.Kitaj y Balthus, sobre todo este ultimo por su carga erótica enfermizamente ambigua . El siglo XVII es también un punto fuerte de referencia, sobre todo si hablamos de la pintura barroca española, dentro de la cual siempre he admirado la obra de Zurbaran, Jusepe de Ribera y Valdés Leal. Esta carga, oscura y terriblemente descarnada es la que me interesa, el dramatismo de las luces y la fragmentación de las realidades en donde es fácil ver en natural convivencia las dimensiones divinas y terrenales. Dentro de la pintura contemporánea podría relacionar a mi pintura con la obra de Neo Rauch, Andrea Lehmann, Daniel Richter y Jonathan Meese, todos pintores de la última generación de artistas que ha vuelto a interesarse por la figuración expresiva y contundente como clara respuesta al periodo en que vivimos, el autentico imperio de la imagen. En cuanto al arte peruano, mis puntos de referencia son variados, van desde el gran arte Moche (sobre todo los barroquísimos murales y relieves) hasta el arte colonial, Basilio Santa Cruz Pumacallao es para mi uno de los pintores mas poderosos en el arte barroco peruano. La pintura mural colonial es también bastante importante, las iglesia de Andahuaylillas es en verdad genial , presenta todo un desdoblamiento lujurioso de la imagen. En el arte republicano me inclino mas por Francisco Lazo y José Gil de Castro por su rigor compositivo y finalmente , dentro de arte del siglo XX , Herskovitz , Tola y Polanco son los que siempre han sido muy influyentes (visualmente hablando) en mi trabajo.

En muchas de tus obras noto interés por la visión de rayos X, por la anatomía (músculos, huesos, órganos internos) y por la disección de especies animales; tambien por las criaturas mitológicas como el Kraken y por las ciudades antiguas como Seforis o hechos como el incendio del Borgo. Descubrí tambien tu interés en personajes religiosos como Santa Cecilia o el martirio de San Bartolomé entre otros.
Es evidente que todos estos temas son punto de partida en tu proceso creativo. Explícanos el como y porque de esto, y también si en la construcción de tu lenguaje hay alguna influencia de la literatura y el cine.
Todo mi lenguaje se sustenta en el caos, en lo recargado, en la sobrepoblación histérica de situaciones y seres que jamás han sido o que jamás serán, es natural que dentro de este caos barroco convivan unos junto a los otros diversos personajes salidos de todas la mitologías humanas, es así como termino incluyendo en muchas de mis obras fragmentos de mi propia cultura, hablo de mi formación religiosa antes de seguir al arte como forma de vida, una formación religiosa bastante estridente si se quiere pero que al fin y al cabo dotó de innumerables santos mártires a mi pintura, San Bartolomé por ejemplo , se alza como uno de mis titánicos santos preferidos por su voluntariosa voz atronadora y por sus suaves pieles que caen al piso cuando termina siendo desollado.
La religión, los sitios históricos mas lejanos y los hechos que lindan con lo mitológico, como es el caso del incendio de Borgo ; las grandes escenografías barrocas; los esquemas anatómicos de Vesalius , las alegorías catastróficas de Gaetano Giulio Zumbo, las imágenes de cera del museo de la Specola de Florencia; todo , absolutamente todo eso se reune en mi imaginario, es lo que se da cita en mis dibujos y pinturas, se fusiona y crea realidades alternas que no terminan de desprenderse de nuestra propia realidad. Son elementos referentes mas no determinantes; el automatismo y la libre asociación es lo que muchas veces triunfa.
La literatura es tambien una cantera poderosa, la tomo muy en cuenta muchas veces para empezar con una obra, me motiva a crear ya sea proporcionándome escenas mentales o sensaciones abstractas; Kafka, Mann, Sartre, Malraux, Golding, Apollinaire, Eielson, Cesar Moro, Vallejo entre otros muchos mas , son mis referentes mas habituales. La musica mas que el cine, es un lenguaje que nunca deja de evocarme cosas inexplicables y es tambien un impulsor básico para la creación, no puedo evitarla.
Una figura que aparece en muchos de tus cuadros y dibujos es el trompetista. Uno piensa en el heraldo fúnebre del toque a los caídos o en las trompetas y el muro de Jericó o en las del Apocalipsis y tambien en algo de jazz .
Sin embargo me parece que en tus pinturas el trompeta-artista es un solitario instrumentista en medio del caos y la incertidumbre de la existencia.
Un testigo y sobreviviente lúcido tocando el misterio en unas notas a manera de autorretrato. Coméntanos tu opinión al respecto.
El adolescente de mirada angustiada y ojeras rojas que sostiene un instrumento musical es como una suerte de profeta dotado de terribles visiones. Al igual que un gran sacerdote, este profeta blande su instrumento musical que anuncia con terribles toques alguna tragedia inimaginable, es un ser alterado, un niño histérico, un titán a punto de ser ajusticiado (algo así como Prometeo) , es a la larga un mártir o un sobreviviente , un herido de guerra.
Este personaje cuya presencia es constante en mi trabajo, se manifiesta así como una de las figuras alegóricas mas recurrentes, me recuerda a veces a los ángeles del juicio y otras a los cadavéricos niñotes de Andre Butzer. Es el anunciador, el grotesco arcángel que se presenta ante la virgen y es tambien el animal sexual (recordemos que es un preadolescente) que ruge y se revuelca en medio de sus goces carnales, esta hecho de carne, es pesado, nada espiritual, es un angel hecho de materia caduca. No tengo intenciones de emparentarlo con situaciones de la vida real o retazos de historia pasada, en lo absoluto. Es un personaje que muchas veces tiende a ser una especie de alter ego, o mejor aun, de retrato del creador de imágenes entendido tambien como imaginero trascendental, como predicara Max Beckmann en la Alemania expresionista de las primeras décadas del siglo XX, sin ánimos de llevarlo a un plano superior sino mas bien con afán de mostrar la angustia tremenda en la que vive, una angustia y una vida histérica tan estridente que fácilmente se puede ligar con la naturaleza del hombre actual.

ENTREVISTA A DIEGO COSTA PEUSER

2008-03-03T18:35:00.001-08:00

¿Hay expectativas para esta feria de Arteaméricas? ¿Cuántos artistas participarán aproximadamente?
Si tenemos muchas expectativas, ya que nos van acompañaran entre 85 y 90 galerías e instituciones de arte y con más de trescientos artistas.

¿Considera que el mercado del Arte se acrecienta día a día? ¿ Cómo ve el arte Latinoméricano desde su perspectiva?

Sí, con seguridad, los últimos años el arte ha pasado a ser un factor importante en la comunidad, y el Arte Latinoamericano esta logrando ser reconocido a través de todas las ferias, bienales e instituciones que se ocupan de el.

¿Ha sido difícil para UD. como editor de Arte al Día posicionar su revista en el mercado del Arte?

Si la verdad que la revista ya tiene 27 años de vida y se podría decir que recién hoy está muy bien posicionada.

¿Cómo fueron sus inicios como editor?

La revista fue fundada por mi padre a quien acompañe yo desde sus principios, fue muy difícil, ya que empezamos en Argentina, un país muy interesante a nivel cultura pero con muchos altibajos económicos, lo que lo hizo muy difícil y a su vez muy interesante, ya que cada edición era un desafío.

¿Cuál es el objetivo primordial de Arteaméricas? ¿Destacar a cada artista por igual sea argentino u otro Latinoaméricano?

El objetivo primordial de Arteaméricas es el de promover los artistas latinoamericanos y darles la posibilidad de que las galerías intercambien artistas de su staff para el cecimiento de ellos.

¿Existen criterios seleccionadores cuando convocan a las Galerías de Arte y sus artistas participantes?

Sí, contamos con un comité de selección para mantener un cierto nivel en la feria.

¿Hay énfasis electivo por los artistas por sus propuestas contemporáneas en cada Feria de Arte?

Tratándose de una Feria y no, de una Bienal, uno es mas objetivo en la selección de los artistas que participan con las galerías y pensamos en todas las líneas, manteniendo un nivel de calidad.

¿Es necesario que cada artista participante tenga una trayectoria avanzada, como Bienales y Premiaciones Internacionales para que participen Arteaméricas y otros eventos afines?

No, obviamente muchas galerías profesionales que trabajan a la par con sus artistas se ocupan que ellos participen en las bienales ya que es parte su carrera y los tenemos presentes a muchos en Arteamericas, como a su vez participan artistas mas jóvenes, llamados hoy emergentes.

¿Parece que hay poca representación de artistas peruanos y otros países vecinos?

En esta edición de Arteaméricas 08 están participando tres galerías de arte, Enlace, Artco y La Galería todas con artistas peruanos.

Montar una Feria de Arte Contemporáneo sabemos que demanda un alto presupuesto ¿Reciben apoyo privado para cubrir todos los asuntos de organización?

Arteamericas es una feria que cuenta con un main sponsor que en este caso, es el Banco Merrill Lynch, lo que posibilita un presupuesto para nuevos proyectos curatoriales y la organización de paneles de discusión como tema educativo.

¿Se deberá quizá a la falta de estrategias en la promoción de éstos por parte de las galerías que lo acogen?

La estrategia es muy importante, en el arte como en cualquier otro producto hay que crearlas para el crecimiento de ellos.

¿Cómo ve el Panorama de los artistas peruanos?

Lo veo interesante por la cantidad de artistas buenos que tienen y difícil para darlos a conocer por la falta de apoyo por el lado del gobierno. El gobierno peruano debería contar con un programa de ayuda a las instituciones o galerías de arte, para apoyarlos a salir al exterior para crear un mercado como hoy lo tienen en lo culinario.

¿Tiene conocimiento de algunos artistas en especial que destacan más allá de las fronteras de Sudamérica?

Fernando Bryce.

¿Cree UD. que el arte Latinoamericano necesita posicionarse aun más en el Mercado y que sea valorado en su real dimensión? ¿ Este es el propósito de la Feria Arteamericas?

Con total seguridad el arte latinoamericano necesita mas para posicionarse, pero con este trabajo de Arteaméricas, Miami, Pinta en NuevaYork, la Revista Arte al Dia Internacional y las permanentes muestras en museos de Estados Unidos y Europa se va a lograr.

Finalmente ¿Cómo se ve UD. de aquí a 10 años, quizá consolidando una feria más grande y en cada país?

En diez años, espero estar disfrutando de un arte Latinoamericano representado en todo el mundo.

Diego Costa Peuser Publisher & CeoArte al Dia Internacional

Director de Arteamericas, Miami

Director de Pinta, Nueva York

Director de Buenos Aires Photo, Buenos Aires.

Entrevista realizada por Circuito de Arte por el editor Joseph De Utia

LAS VISIONES DE REMBER YAHUARCANI

2008-02-04T15:19:00.001-08:00

Entrevistado por J.Castilla-Bambaren Lima-Perú 2008

- ¿Cuándo empezaste a pintar?
De niño. Recuerdo que pasábamos muchas horas en el monte procesando la corteza con mi padre y viéndole a mi madre extraer los tintes naturales de las raíces, hojas cortezas y resinas; al caer la tarde estábamos de vuelta con dos o tres telas de llanchama; días después vería a mí padre pintar sus guacamayos, loros u otro animal para venderlo a los turistas; junto a sus esculturas de resina y madera. Mi madre por otro lado trabaja con fibra vegetal representando a los personajes mitológicos Aymenus. Somos una familia dedicada al arte y la artesanía.
- ¿Tu padre también es artista...? Influyo él en tu opción por el arte?
Si. Ha realizado varias exposiciones aquí y en el exterior, sus obras se pueden ver en algunas publicaciones como El Ojo que Cuenta, La Soga de los Muertos y la VII Edición de Cuadernos Arguedianos, en el 2006 presentamos una exposición bipersonal en el Centro Cultural de la Ricardo Palma titulado: “Traducciones Pictóricas de la Cultura Uitoto”; una serie de pinturas y esculturas que trataba sobre el mundo espiritual de los Aymenu y las visiones del Ampiri, ya que el tiene un mejor acercamiento a esos espacios. Él y mi madre influyeron mucho en la decisión de seguir en ésta carrera, recordándome cada vez que regreso que tengo que ser más original en mi trabajo.

- ¿Alguien te apoyo en el principio? Quién te incentivo a seguir luchando y a encontrar tu estilo personal?
Mi padre fue invitado en el 2003 a la exposición “La Serpiente de Agua” por José Zavala Ríos, entonces Director de Promoción Artesanal del Mincetur y José Ortiz Souza Maestro de la Artesanía Peruana consiguió que la Dirección de Turismo de Loreto auspiciara los boletos de ida; lamentablemente mi padre no pudo realizar el viaje y yo tuve que tomar su lugar. Así, en una noche del frío invierno limeño llegué a Lima. Ya en la ciudad conocí a varias personas como Victoria Morales, Gredna Landolt, Nancy Herrera, Mónica Newton, Cecilia Meléndez, Roberto Cores, el Chema Salcedo, Kike Basurto, Luisa Elvira Belaunde, que me incentivaron a seguir, pero lejos de hacer solo eso, ellos me ayudaron a creer en lo que hago, porque lo hago y cómo debo hacerlo, a ellos mi gran agradecimiento. Siempre tuve, tengo y tendré un estilo personal y esto es gracias a mi legado amazónico y a la memoria de mi pueblo, ellos junto a mis dioses me guían a realizar mi trabajo.
-¿Cuéntanos que opina el estudioso del Art. Brut y del arte visionario de Latinoamérica el cubano Orlando Hernández (un amigo mutuo) acerca de tu pintura?
En el catálogo de La Serpiente de Agua, Orlando escribe un artículo muy interesante titulado “Sobre el Concepto de Arte en la Culturas amazónicas”. La mayoría de los críticos de arte solo centran su mirada en Europa, de acuerdo a ella “opinan” por no decir repiten de lo que allá ya se dijo. Por otro lado las galerías de arte tienden a tener un temor no habido sobre el arte indígena que se produce en la amazonía, argumentando que no hay registro ni clasificación para aquella pieza, que no tienen por qué presentarlo para eso; dicen, están los museos etnográficos o centros culturales. De acuerdo, no lo hay, pero tampoco tienen la capacidad de proponer algo nuevo. Orlando como crítico y conocedor de muchas culturas del caribe, amazonía y del arte contemporáneo, opina que el arte indígena tienen que compartir democráticamente todas las salas de arte, porque por un lado lienzos, esculturas de bronce, etc. y por otro lado cortezas de árboles, dientes, plumas, tintes, etc. Acaso no tienen los dos la misma capacidad de creación…? El cree que nosotros tenemos que abrirnos lento y forzosamente por este cerrado camino del arte, por cierto conocí a Orlando en el 2003 y creo que ya saben lo que él opina de mis obras y la de otros pintores amazónicos.

- ¿Qué materiales y técnicas empleas en la actualidad para crear tus pinturas?
Pinto sobre corteza con tintes naturales y resina. También estoy incursionando en nuevos soportes y materiales como la madera, la cerámica, la tela y pintando con óleo y acrílico.
- ¿Cuando estas allá en la selva, cuántas horas le dedicas a la pintura diariamente?

Unas 5 a 6 horas. Cuando tengo que seguir pintando lo hago con la luz del lamparín a kerosene y la compañía sinfónica de los animales nocturnos.

- ¿Alguna vez has soñado tus cuadros antes de pintarlos?

Algunos… los he pintado y a otros no, de acuerdo como llega la inspiración, si llega en el momento hay que hacerlo, pero si llega en sueños mucho mejor, así también formas parte de la historia y de la obra.

- ¿Haces dibujos preparatorios, bocetos o pintas directamente siguiendo la inspiración?

No. Como mis temas son cuentos historias, mitos, leyendas y todo el universo Uitoto; lo que hago es visualizar el cuento en su totalidad, tener un principio y un final me ayuda a estar en el medio y partir por donde yo quiero.

- Escribes y recolectas cuentos Uitotos. ¿Cuéntanos cuando los publicarás?

Estoy trabajando en la recopilación de todo este patrimonio inmaterial, de un pueblo alejado y de un clan que esta a punto de extinguirse en Perú. Tengo más de 33 cuentos escritos y estoy trabajando en la publicación de la mitad de estos, será a mediados de junio.

- ¿Has pintado alguna vez experiencias propias de visiones guiadas por el ayahuasca o el Ampiri?

Probé varias veces ayahuasca para un estudio y comparación con el ampiri, encontrándole mucho mas fuerte a este último.Pinté hace años varios cuadros de ayahuasca con mi papá, pero ya no lo hago. Desde entonces, él sigue con el tema del ampiri, pintando sus visiones, la preparación, las fases y período por donde uno pasa.

- ¿Alguna vez has percibido la presencia de los seres o entidades míticas de la selva a los que hace referencia tu pintura?...Alguna vez escuchas o cantas icaros mientras pintas?
De la Selva en su totalidad no, pero si en especial a los seres que yo pinto, si te das cuenta la presencia de estos seres están en todas las culturas amazónicas, no como un hecho místico o que se yo, si no como algo real, viviente, palpable, de alguien que esta ahí no para asustarte si no para enseñarte, cuidarte y ayudarte; el ampiri es el nexo con su mundo; de hecho nosotros vivimos con ellos.
Mi abuela me enseño muchos icaros. Si los canto cuando pinto, cuando camino en el monte, cuando estoy en la ciudad, en cualquier lado, te da paz interior, te da fuerzas, vida, es como si la madre tierra estuviera ahí contigo y te llevara de la mano.
- Al parecer tu abuela es tu gran fuente de inspiración. Ella te narra historias, leyendas y mitos de los Uitotos (clan Aymenu). ¿Habría alguna otra influencia además de la tu familia? Me refiero al Surrealismo o El Arte Visionario?
Sin ella no sabría tantos cuentos como sé. Cada historia que me cuenta tengo que recitarlo tal como me lo ha contado, luego lo escribo. Me gusta ver los cuadros surrealistas y visionarios me ayuda a examinar a la gente citadina, de cómo es y que es lo que quiere pero no tiene ninguna influencia en mi pintura.
- Y para finalizar esta entrevista. ¿Que planes y proyectos tienes para el futuro sabemos que expones con éxito en Suiza, Dinamarca, España y USA.
Por favor no olvides dejarnos tu página Web para futuros contactos con el público de circuitodearte.tk
Preparando la publicación de cuentos y pinturas, una edición en castellano e inglés; con la presentación del Chema Salcedo y los comentarios de Arturo Corcuera, Luisa Elvira Belaunde, Pablo Macera, Jorge Cevallos y Orlando Hernández, estará listo a mediados de Junio.
La próxima exposición individual será en la galería de arte 80m2.
Estoy invitado a la II Bienal Intercontinental de Arte Indígena en Ecuador, porque me otorgaron la I Primera Mención Honrosa al Mérito Artístico, por cierto ya esta abierto la segunda convocatoria y otras más que me gustaría dejarlo en silencio.
Suiza, Dinamarca y otros fueron exposiciones colectivas, ésta exposición lleva como titulo “El Ojo que Cuenta: Historia, Cuentos y Mitología amazónica ilustrados por su gente”.

ENTREVISTA A CARLOS RUNCIE TANAKA

2008-01-30T05:06:00.000-08:00

Curador Internacional José Falconi, Carlos Runcie Tanaka y Jorge Castilla-Bambarén

Entrevista realizada por Jorge Castilla- Bambarén a Carlos Runcie

Carlos en esta exposición utilizas fotografía, instalación y esculturas en una atmósfera que tiene mucho de onírico y surreal.Coméntanos sobre tu nueva propuesta.
SOLO NUBES tiene que ver con la necesidad de asir algo inasible. Lo onírico o surreal…quizás este impulso tan inmediato de ver en las nubes ese espacio de sueños, anhelos, vida y angustia… En el proyecto están sin duda la memoria de un viaje de regreso a Lima en el cual capturo imágenes de nubes y la memoria del abuelo paterno Walter O. Runcie Stockhausen, pionero de la fotografía aérea en el Perú, quien también fotografiara las nubes y gran parte del territorio peruano desde el aire. Se trata en realidad de un homenaje y especial agradecimiento a mi padre Walter Runcie Montoya, quien falleciera hace poco y que también fue un gran apasionado de la fotografía. Trato de seguir sus consejos y enseñanzas.
-La instalación de esferas (vidrio y vitral) me recuerdan a los globos voladores de papel, que son una tradición en el mundo oriental.Estarán relacionadas de alguna manera? Háblanos sobre estas piezas.

El tema de la suspensión/flotación o quizás la levedad, es lo importante en estas esferas de vitral. Están colocadas sobre bases de metal y vidrio a una altura considerable desde el suelo. La idea es llevar hacia arriba la mirada del espectador que intenta “ver a través (del cristal)”. Los globos de papel del oriente están en la memoria, aunque no directamente…(las esferas) son un intento por capturar y generar luz…

Al incluir la imágen del cangrejo en las esferas vitral. Estarías logrando surreal y poéticamente, que el cangrejo vuele y conozca las nubes? (Amplias esa sensación en los muros con la proyección de fotografías tomadas al cielo desde la ventanilla de un avión).
El Cangrejo es un ser de agua y submundo…..horada huecos en la arena buscando el agua o vive en el agua……elemento necesario para su supervivencia. Para los antiguos griegos esta criatura ayudaba a las almas a viajar a la siguiente morada. Empecé con una esfera con tres cangrejos, recordando la historia de los cangrejos que se alimentan de elementos orgánicos en su habitat y luego devuelven bolitas de arena en el litoral. Esta acción de “pacer” ha sido una constante fijación en varios de mis trabajos luego del año 1994, año en que presento la muestra DESPLAZAMIENTOS en el Museo de la Nación. Las esferas de vitral nacen de esta necesidad de devolver a mi entorno algunas historias que he venido siguiendo/persiguiendo. Los cangrejos se eleven ahora al cielo –contenidos en las esferas- y, a veces, aparecen y desaparecen…en un afán de navegar por el aire…entre las nubes…

-Seis esculturas de cerámica depósitadas en el piso a manera de semillas; me hacen pensar entre otras cosas en el mito Maya de creación del hombre narrado en el Popol-Vuh (esto por las cabezas y manos semejando granos de maiz). Coméntanos sobre estas esculturas. Qué impresión te dieron al abrirse el horno y ver el resultado?

Estas son las piezas más recientes en cerámica. Seis formas ovales casi como nubes…ahora las llamo nubes… Mi padre siguió todo este proceso…las piezas empezaron a salir sin motivo específico –otra vez ese impulso inmediato de hacer- y él tenía gran entusiasmo por este nuevo trabajo. Las manos y las caras/cabezas...aferrándose a la forma, tratando de asir las nubes…quizás mirándolas…con ojos abiertos en un intento por seguir… Hay alguna referencia lejana/cercana a las piezas prehispánicas – estoy pensando más en cierto partentesco con los ceramios negros de la Cultura Chimú– y el sentido de generar o reproducir… Son piezas de fuerte carga…suelo llamarlas piezas para “estómago fuerte”. Al abrir el horno tuve sin duda una extraña sensación de sorpresa y asombro…como si el trabajo te golpeara y se “volviese contra uno”… pero también sentí que el horno estaba haciendo una nueva entrega sin concesiones… devolviendo a la tierra lo que le pertenece…

-Las 6 parecen encapsular una extraña y silenciosa energía.Lo que esta contenido en ellas es el misterio.Serían estas esculturas cerámicas una especie de mundo-semilla que acercaría tu búsqueda a una poética de lo ecológico…? (tus obras recientes sobrepobladas de manos y caras. Podrían estar planteándonos una reflexión en torno a la relación hombre–planeta tierra).
Hay cierta poesía especial...hay cierta dureza…una corteza dura en estas piezas…un sentido de gravedad y de gravidez también…mundos que se cierran, nubes que se forman…manos que se aferran…caras con ojos abiertos a tantas otras posibilidades...Las siento cercanas y distantes a la vez…Devolviendo a la tierra lo que a la tierra le pertenece…(recordando a nuestro buen amigo y artista cubano Tonel quien diría: “devolviendo al mar lo que le pertenece”…..título de un fantástico dibujo suyo).Puedo decir con alegría que finalmente mi padre pudo ver la nube de caras color turquesa…había visto las oscuras/negras que yo relacionaba ya con el eclipse fotografiado por mi abuelo en el año 1940. Creo que estaba feliz de ver la claridad/intensidad del nuevo color… Gracias.

ENTREVISTA A RILDO CAMPANA DIRECTOR DEL CENTRO CULTURAL DE LA UTP

2008-01-28T16:59:00.000-08:00

Desde cuando esta UD. dirigiendo el Centro Cultural de la Universidad Tecnológica del Perú?

Se inicia en 02 de mayo de 2004, por una decisión tomada por la Alta Dirección de la UTP, cuando se determina la creación de una Dirección de Cultura de la UTP con Resolución Nº 024-2004-PCO/UTP del 26 de abril del mismo año. La labor cultural formal en la universidad se inicia con mi gestión hasta la fecha.

Considerando la importancia del avance de la difusión y producción cultural en la UTP, se determina aperturar el centro cultural con Resolución Rectoral Nº 064-2007-R/UTP, con fecha 10 de octubre y se formaliza la denominación como Centro Cultural “Alberto Quintanilla”, el cual se inauguró en ceremonia oficial con la presencia de máximas autoridades de la UTP y con la participación del Maestro Alberto Quintanilla.

¿Cree UD. que hubo cambios desde el año en que la Universidad Tecnológica del Perú abrió este centro cultural?

El cambió ha sido drástico en sentido positivo ya que tenemos mayor cobertura de la difusión artística y cultural, son diversos aspectos que abordamos para beneficio de todos los que integran esta gran familia de la UTP y con una extensión no menos importante a toda la comunidad de Lima Metropolitana.

¿Existe apoyo de parte de la UTP a los proyectos culturales?
Efectivamente, la universidad brinda apoyo económico, logístico y periodístico a todos los proyectos que desarrollamos, existen actividades que son cubiertas en su totalidad y otros en un 80 por ciento. Si el proyecto es de mayor envergadura se solicita apoyo de otras empresas vinculadas con la UTP.

¿Consideran que si hubieran más centros culturales como el de la UTP se contribuye a la educación del público por medio del arte?
Desde luego que sí. Nuestro país en este aspecto se encuentra bastante relegado en comparación con otros de la Región. Es muy conocido que el arte desempeña un papel trascendental en la formación de las personas, por medio del arte desarrollamos distintas capacidades del ser humano, haciéndolo más analítico, pensante, inteligente, creativo, autónomo y emprendedor. Pero se debe tener presente que a la clase dominante del Perú y del mundo no le conviene una población educada e inteligente, porque las cosas cambiarían drásticamente.
Me parece que el centro cultural de la UTP ha cambiado de nombre en más de una ocasión, ¿es por imagen?
Gracias por la pregunta, porque se ha manejado una información equivocada de la realidad. La respuesta es no, nunca se cambió de nombre, lo que se hizo es formalizar la denominación de nuestra galería de arte con el nombre de otro reconocido artista peruano Víctor Delfín. Esto ha sido posible con Resolución Rectoral Nº 042-2005-R/UTP del 16 de septiembre.
La Galería de Arte “Víctor Delfín” se ha convertido en un espacio abierto para todos los artistas con experiencia mediana o reconocida trayectoria. Su accionar está enfocado en la organización de diferentes muestras artísticas temporales continuas, de acuerdo a un calendario de exposiciones por año. La Galería de Arte “Víctor Delfín” tiene un compromiso con el arte, los artistas, la universidad, la colectividad de Lima, el Perú y el mundo, el cual no puede ser desligado de su contexto educativo.
Nuestro objetivo es mantener la apuesta por la autonomía y defender la opción de ejercer libertad total para accionar en nuestro espacio. Se consideran exposiciones de las diferentes manifestaciones del arte. Por lo tanto, un aspecto es la galería de arte con el nombre de Víctor Delfín y otro de mayor envergadura el centro cultural con el nombre de Alberto Quintanilla.
La prensa difunde sus exposiciones y actividades artístico-culturales, ¿cómo ve esto?
El hecho de contar con el apoyo de los medios de comunicación en general es un aspecto positivo, esto permite que las personas estén informadas de las actividades que se realizan y de este modo participar de las que consideren adecuadas para ellos.
¿La UTP se está proyectando a continuar mejorando su difusión artística, cultural y educativa en Lima?
Si, el presidente ejecutivo Ing. Roger Amuruz Gallegos y el rector Dr. Enrique Bedoya Sánchez, están planificando de manera estratégica el crecimiento paulatino y sostenido del centro cultural vinculado a todo aspecto de una infraestructura adecuada y moderna.
¿Cuáles son las actividades de extensión cultural que realizan en la UTP? Mencióneme algunas…
Realizamos actividades extracurriculares y formativas, internas y externas, tales como: conferencias, seminarios, cursos de capacitación, festivales de todo género, talleres de arte, entre otros.
Gracias por la entrevista
Entrevista por el Editor JOSEPH DE UTIA

CONVERSACIONES CON DOS MONTAJISTAS: EL EQUIPO OCULTO

2008-01-17T17:29:00.000-08:00

Lo que sigue es una conversación con dos montajistas que tienen diez años en esta labor. Sus voces y situaciones son parte de las artes visuales en Lima y, hasta donde sabemos, rara vez se ha escuchado lo que tengan que decir de su propio trabajo y el de los otros implicados en la actividad artística.

Por: Martín Pinto

MONTAJE
Martín Pinto: ¿Cómo se define un montaje?
Edwin Huancachoque: Se define luego del proceso de investigación del curador y de la propuesta del museógrafo quien ordena todo en el espacio sin restarle nada de lo que quiere el curador. El montaje consiste básicamente en darle un tipo de lenguaje a la muestra: cómo utilizar color, el material de información, etc.
¿Cómo ves el montaje aquí en Lima?
E. H.: Estamos en pañales. Estamos experimentando. En el caso de muestras sencillas ya podemos decir que sí se logran. Pero en muestras que tienen una concepción diferente ahí sí estamos en pañales. Pero el “cubo blanco” para colgar obra de las paredes sí funciona.
¿Cuántos días son lo ideal para un montaje estándar?
Ronald Nieves: Yo pienso que ocho días hábiles, dependiendo de la magnitud de la muestra y de la cantidad de gente con que se cuente para el montaje. Con unos días antes de la inauguración para dar los últimos retoques, detalles.
E. H.: Para mi lo ideal es que te den por lo menos tres semanas de montaje. Con tu guión museográfico, tu diseño, etc., etc.
¿Los montajistas están preparados para esta labor?
R. N.: Creo que deberíamos prepararnos un poquito más los que estamos metidos en este tema, los que sí trabajamos en esto, porque de una u otra manera estamos teniendo un ingreso económico, debemos poner de nuestra parte para difundir o adquirir más conocimientos, porque este no es un tema común en nuestro medio. Habría que difundir estos conocimientos y experiencias.
A veces el montaje se toma de modo muy poco serio como si se tratase simplemente de clavar y colgar, pasándose por alto criterios de cómo tratar una obra de arte.
¿Qué tanto estamos capacitados para hablar de un montaje?

Algunos todavía no sabemos como agarrar un cuadro, los mismos artistas y los mismos curadores. A veces trabajamos descuidadamente. Las obras deben manipularse con mucho cuidado. Cosas que a veces no se hace.
Hay gente que no sabe tratar obras de arte a pesar que está constantemente con ellas. He visto a gente de mantenimiento ayudar a mover una obra de arte: la mueven como una maceta más, las obras se rayan y normal. Eso es una negligencia. Para que eso cambie va a tomar tiempo pero no es imposible. Lo veo como un proyecto a realizarse poco a poco.

CURADOR
¿Cómo ves la labor del curador?
E. H.: Curadores acá, poquísimos pues. Es decir, que tú le des ese calificativo de curador, la gran mayoría no merece. Están en pañales. Y ellos son los que realmente complican todo. Te lo digo por experiencia. Son un problema: nunca están satisfechos con lo que quieren, son tan panorámicos que nunca pueden resumir lo que desean, todos son subjetivos.
R. N.: A veces estamos en pleno montaje y no tiene una idea definida de cómo distribuir la obra. Muchas veces aquí es el curador el que hace las veces de museógrafo y se rige por criterios personales, “a mi me gusta que vaya ahí y tiene que ir ahí” sin importarle a los demás. Desde mi punto de vista creo que los curadores no tienen en cuenta al público.
¿El curador tiene los criterios adecuados para el montaje de las obras?
E.H.: El curador no tiene experiencia de qué material utilizar, no tiene conocimiento de los soportes. Muchas veces he batallado para que cambien el planteamiento del montaje porque la propuesta era imposible.
Básicamente he peleado por problemas del lugar donde van a ir las obras: cuadros pesados en lugares frágiles, lugares imposibles. Y muchas veces las opciones no les gustan. Lo que debe lograrse es una especie de acuerdo.
Esos problemas nacen desde el proyecto. Tienen la idea pero no pueden concretarla, les falta experiencia. Lanzan el proyecto cuando ni siquiera saben cómo va a encaminarse. En el momento que se aprueba el proyecto el rollo está bien pero nunca pensó cómo va a realizarlo. No hay conciencia de investigación en el propio curador.
MUSEOGRAFÍA
¿En qué consiste la museografía?
R. N.: La museografía consiste en no saturar el espacio, que haya un gozo visual. Es muy importante, pues de eso depende el aspecto visual de una muestra. Porque una muestra puede estar bien montada pero tener una mala museografía.
E.H.: La museografía trata de ayudar al curador a dar un discurso visual, estético, exclusivamente es eso.
R.N.: Y eso también lo puede hacer el montajista. La experiencia que tiene puede hacer el papel de un museógrafo porque ya tiene al ojo las cosas, las medidas, la distribución.
¿Cómo ves la tecnología para la museografía aquí?
E.H.: Tecnología para museografía en el Perú no hay. Casi siempre usamos objetos parecidos o le damos un uso específico a objetos que no han sido diseñados para eso. Te enfrentas a un problema serio de adaptar objetos o mandarlos a hacer. Y eso implica costo y tiempo.
¿Y en el caso de las muestras extranjeras?
E.H.: En el extranjero la museografía es tratada de modo formal, es decir científicamente. En las muestras que vienen de fuera sí viene escrito en el diseño museográfico como se deben montar las obras, medidas, pesos, etc. Entonces esa es la museografía científica. Generalmente en Europa eso es pan de cada día.
Me parece que la función del museógrafo es asumida por el curador.
E.H.: En principio no se deberían asumir varias funciones porque ahí hay confusiones, se debería trabajar con otra persona. Si trabajas solo no te das cuenta de tus errores. Tiene que venir alguien que sugiera, oriente.
GUIÓN MUSEOGRÁFICO
¿Qué es un guión museográfico?
E.H.: Lo elabora el museógrafo a partir de la investigación del curador y en él se plantea básicamente todo lo que quiere el curador: si se ordena de manera cronológica, estética, regional, etc. Y básicamente eso te condiciona en el montaje, como lo vas a hacer, que elementos museográficos necesitas. Eso sería lo ideal, pero como ves en algunos espacios el curador llega a destiempo y hace la función de un museógrafo, quiere imponer el guiónmuseográfico. Y para mi eso es un error porque los criterios del curador nada tienen que ver con el criterio del museógrafo.
¿Qué tanto se trabaja con un guión museográfico?
R.N.: Poco, me acuerdo haber trabajado con una artista australiana a la que le habíamos dado el plano de la galería. Ella trajo montada virtualmente su obra. Solo faltaba ejecutar. Pensábamos que tomaría 10 días de montaje y en 3 días estaba ya montado. La coordinación es fundamental.
E.H.: Aquí el curador normalmente no maneja un guión museográfico. Y si maneja es para él. Yo creo que estamos en pañales en Perú, hay intenciones, he visto a gente que esta empezando a trabajar con guiones, pero estos no llegan a poder del montajista.
Por ejemplo, nosotros tenemos una muestra itinerante de pintura campesina. Cuando se presentó el guión estaba concebido a mostrar la tercera parte de la colección. Había ejes temáticos que tú puedes observar tres, cuatro, diez cuadros y entender. Resulta que estamos llevando esa muestra a la Municipalidad pero esos espacios no cumplen las características del espacio original ¿Qué haces? Mutilas tanto el guión museográfico que al final no se entiende. Acá se expusieron más de 250 cuadros y ahí van a poner 20. No se entiende nada del eje temático.
¿Cómo se trabaja en sala?
E.H.: Muchas veces se carece del guión museográfico. Se distribuye la obra en la sala, no te dicen cómo montarlo, ni que materiales usar. Entonces a partir de ahí te riges al criterio universal: eje a 1. 50 mt. del piso y se levanta la obra.
PRESUPUESTO
¿Cuáles son para ti los problemas principales en el montaje?
E.H.: La seriedad del curador, los espacios, el tiempo y principalmente lo económico.
R.N.: Sin olvidar la informalidad y la descoordinación.
E.H.: Muchas veces lo presupuestal te va retrasando. No tienes dinero pero tienes cronograma: todo queda como un saludo a la bandera. Esperas y esperas y no llega el dinero, y cuando está muy próxima la muestra se hace lo que se puede a la guerra. Casi siempre es así, por eso cuando empiezas a hacer un montaje debes luchar contra el tiempo. Y algunas muestras ni siquiera están bien planteadas, en el camino están replanteándolas.
Tú como montajista sabes qué usar, pero cuando no hay presupuesto entonces empiezas a forzar las cosas y esos detalles terminan haciendo diferencias en el resultado final.
R.N.: Muchas veces el artista o el curador exigen un tipo de acabado técnico. Pero muchas veces no se llega porque no hay material a mano y debes improvisar y arriesgar algunas cosas. Si tú como montajista pides un material con medidas y marca es porque tú sabes que ese material o marca te va a dar buen resultado. Tienes que arriesgar eso para salir del paso. Entonces estas trabajando de manera informal, no técnicamente.
R.N.: Si no tienes un cronograma, un calendario de actividades que debes hacer durante el montaje la cosa se pierde. Muchas veces no llegamos a cumplir con el trabajo porque no sabemos manejar los tiempos.
E.H.: Lo ideal es que se trabaje con buen tiempo de anticipación. Yo pienso que los curadores parece que han empezado su trabajo al revés, nunca han llevado, creo, un curso de lo que significa curar una muestra. Pero se lanzan, es curador porque bueno conoce un poco. Ellos no tienen el planteamiento de cronogramas y dilatan más el tiempo porque sencillamente no pueden ordenarse.
¿Hay trabajo en equipo?
R.N.: Falta un trabajo en equipo y eso hace que te conviertas en un hombre orquesta. Eso fastidia, atrasa, presiona. Creo que el trabajo en equipo es lo mejor.
El trabajo de montaje debería hacerse en equipo y estar listo tres días antes de la muestra, porque después viene todavía la parte final que es la iluminación. Y muchas veces no llegamos a eso, durante la inauguración se está arreglando luces, cuando eso debió ultimarse días antes. Yo creo que el montaje es cuestión de coordinar en equipo, solo entonces va a salir bien.
E.H.: Acá hay la buena voluntad de asumir todas las funciones, pero mientras lo haces te das cuenta que no es para una sola persona sino para un equipo. En las instituciones privadas y públicas se está tratando ya de implementar que haya siempre un museólogo o un museógrafo y un equipo de montaje.
Se está optando por eso acá en Perú. Por ejemplo en el Museo de Arte de San Marcos hay reuniones entre el diseñador, el museógrafo y el montajista. Recuerdo que con Augusto del Valle teníamos una sala llamada de experimentos donde el artista podía plasmar toda su locura.
Además de otros problemas se ha mencionado “contramarcha”: solucionar todo a último momento.
R. N.: Hay mucha informalidad en nuestro medio, se habla demasiado de arte contemporáneo pero no sabemos tratarlo. Si seguimos así no vamos a llegar a nada. Debemos tener criterios de principios, de ética para este tipo de trabajo. Desde que estamos en la informalidad estamos perdiendo todos los papeles.
E.H.: Hay mucha improvisación. No llegas a mostrar lo que ha diseñado el museógrafo con el curador. En buena cuenta el problema es tiempo y principalmente lo presupuestal.
En Perú difícilmente existirá un espacio cultural que tenga tanto poder monetario como para decir traigan eso y lo haremos aquí igualito, lo vamos a mandar a hacer como me pides en tu guión museográfico. Imposible. Hasta ahora no me ha tocado trabajar en un lugar así.
Lo usual es que el mismo día de la inauguración de la muestra este llegando obra.
E.H.: De la cantidad de montajes que he hecho casi siempre se ha terminado sobre la hora.
R.N.: Sí pues se está montando y corrigiendo en el camino. Que los periodistas vean la obra en el piso dos días antes de la inauguración es una falta de respeto del curador hacia el artista.
Siempre se da eso. Ves un montaje así y te das con que el curador tiene ya varios años en esto, no enmienda sus errores. Sigue en lo mismo.
¿Es constante la sensación de que no se logra montar una muestra como se había planeado?
E.H.: Claro, no se llega. Pocas veces se llega. Se llegó con algunas muestras internacionales, esas sí ya vienen definidas. Lo único que había que hacer era adaptarlas al espacio.
Casi siempre se hace lo mejor que se puede con los pocos materiales que se tienen a mano.
E.H.: Se hace lo mejor. Casi siempre es así, a contramarcha y con poco presupuesto ¿Sino, cómo solucionas las cosas?
Diez años es un lapso de tiempo en que pueden decir si el panorama ha mejorado, ha empeorado o se ha mantenido.
E.H.: Ha mejorado, yo te diría en un 7 %. Es desalentador, pero al final sí se dio unos pasos. Ya hay personas e instituciones que tratan de ajustarse a criterios museográficos. Inclusive en el medio hay más cursos sobre museología, museografía, montajes.
R.N.: Yo creo que no se ha mejorado. Al contrario estamos yendo para atrás. Deberíamos estar en otra instancia pero no lo estamos. No se si será un factor social o personal. Si buscas un curso de museografía, de montaje casi no hay, habrá una vez al año. Alguna embajada, el Instituto Goethe cada cierto tiempo. Falta difusión también.

PIERO QUIJANO EN EL JAZZ ZONE

2007-11-14T08:01:00.000-08:00

Entrevista por J. Castilla Bambarén

Cómo nació la idea de pintar toda una serie de cuadros relacionados al Blues y Jazz?

Ya lo había venido haciendo desde hace algún tiempo, hice cuadros de Nat King Cole y Count Basie sueltos, y en el 2002 en Lucía de la Puente hice una individual que incluía 2 orquestas de jazz, y hace 2 años en el Bar Berlin del Mochileros hice una individual de figuras de músicos de jazz, blues, salsa, mambo, etc., en látex sobre trupán recortado y barnizado después. Y para la exposición del Coco De Mer lo del jazz cayó más o menos por su propio peso, como se trataba de un bar, y esa muestra corregida y aumentada fue la que llevé al Jazz Zone. Que era como su lugar natural, allí participamos hace un par de años en una colectiva acerca de jazz, con Pancho Guerra García, Miguel Lescano y José Gómez, así que el espacio me era familiar, aparte había ido varias veces de oyente y amigo. También hice grabados en madera, y serigrafías sobre papel y sobre trupán de un quinteto de bebop y una orquesta de swing, y después de James Brown y Little Richard, y después hice un mural en Mochileros donde salían James Brown, Little Richard, Bob Dylan, Jimmy Hendrix, Chuck Berry y Elvis. Y más serigrafías, con Alex Angeles, de Louis Armstrong y Fats Domino, para la Fundación Lima (los puse por ser ambos de New Orleáns, después de lo de Katrina).

Mientras pintabas escuchabas los temas musicales de los personajes retratados.?

No siempre, pero siempre escucho música cuando pinto. En mi taller escucho cassettes, algunos los tengo desde los 70 y son los que mejor suenan porque los grababa en casa de amigos con super equipos. Escucho de todo (si lo tengo), jazz, rock, salsa, latin jazz, música brasileña, reggae, funky, soul, blues, etc. solo no escucho nueva trova y musica ambiental. También evito canciones tipo Hotel California y Another Eclipse Of The Heart, o bandas de chiquillos autocompasivos (se tolera poco la autocompasión ajena). Esta cosa de los cassettes parece anacrónica pero al final ayuda a marcar el tiempo pues cada lado dura media hora o 45 minutos, antes no había auto-reverse y se perdía tiempo pensando qué poner o se pone un solo cassette para toda una función o jornada pictórica. Y crea un clima, una especie de código audiovisual y para mí es una forma de trabajar. Un amigo, Nader Barhumi, decía que había concluído que pintar era una buena forma de hacer algo productivo mientras escuchaba música.

Desarrollaste unos grabados a partir de los dibujos que tenías en tus cajas de viejos casettes. Cuéntanos como fue el proceso de llevarlos al grabado.
Fue con un amigo serígrafo, Carlos Troncoso, le pasé unas capas de cassettes que había dibujado mientras iba grabando los LP, junto con la lista de canciones. Salieron 2, uno de Fats Waller y otro de Donny Hathaway, en trupán delgado (aporte creativo de Troncoso), queríamos que se vieran igual que en la caja, es decir con el logo de Sony y las líneas azules, que se viera de dónde había salido, no aislar el dibujo. Después encontré unos cassettes con dibujos de Patti Smith y pensé en seguir con esta cosa, pero Troncoso me contó que Jaime Higa se me había adelantado con el mismo tema (creo que a partir de la salida del reciente disco de Patti Smith).
Tu exposición en el Jazz Zone fué vista por un numeroso público, muchas veces con música en vivo de fondo. Coméntanos sobre la acogida del público y lo que decían los músicos.
Mientras hacía el montaje en el Jazz, había un ensayo de una chica que canta boleros, Lourdes Carhuas, se me acercó y me dijo que le había gustado, otros músicos tambien me comentaron. En verdad, no había visto alguna muestra sobre jazz, solamente la de José Cortez en la Municipalidad de Miraflores, que era una sesión de action painting, expresionismo abstracto con fondo de bebop, su soundtrack natural, una especie de happening/muestra. Y cuadros sobre jazz, pero el que más me gustaba era uno de Dubuffet, y el de los músicos de Picasso que siempre lo veo como de jazzeros. Es un tema grande, que se puede tomar de diferentes maneras y regresar. Carlos Basadre también presentó una serie en la Jazz Zone.
En esta serie de cuadros hay una fuerte influencia del expresionismo y además una lograda síntesis del humor y del lenguaje del comic. Planeas seguir en esta temática? Qué otros proyectos artísticos tienes?
Es que el jazz es tambien expresionista, una parte al menos, la que conozco más y que se desarrolla a partir de canciones populares retransformadas (intervenidas se diría hoy) en otro lenguaje. Mi ejemplo más claro es My Favorite Things, que yo juraba que era de Coltrane hasta que conocí la versión original. Por supuesto que había visto de niño y contra mi voluntad La Novicia Rebelde, pero además detestaba las partes en que los gringos se ponían a cantar, así que no relacionaba las 2 cosas. Es una canción hermosa, pero lo de Coltrane es algo aparte. O la versión de los blues rurales hecha por Hendrix y después por Led Zeppelin. Trato de trabajar cosas así, partir de fotos e ir cambiando todo, como si hiciera covers a la manera de los jazzeros. Es una manera de retomar el tema, sin ponerse a hacer lo mismo siempre.

PATRICIA EYZAGUIRRE DESPUES DE SU RECIENTE MUESTRA

2007-11-05T06:38:00.000-08:00

En esta muestra individual hay evocaciones poéticas?

No necesariamente.

La técnica del collage, aparte de ser una técnica usada por muchos artistas, es una frecuente en tu obra?

Hace un par de años que la estoy usando sobre todo en lo que es el trabajo en papel.

Háblanos de alguna obra tuya en particular en la cual que hay mas de ti?

En cada obra hay un poco de mi, quizás con las que estoy mas satisfecha es con unos trabajos de pequeño formato en blanco y negro sobre papel.

Preparas alguna serie en especial?

Actualmente estoy preparando una serie en papel y unos objetos de pequeña escala que tiene que ver con la temática de los collage.

Crees que el panorama de la pintura contemporánea local esta en auge, que se esta dando a conocer en su verdadera dimensión?
Creo que falta mucho por hacer, si es verdad que hay nuevos espacios y un poco más difusión, pero no es suficiente…
Hay cierto predominio por los artistas de generaciones atrás, que afecte el desenvolvimiento de los artistas de las generaciones de ahora?
No me parece del todo, si te refieres al “mercado del arte si se puede llamar así es cerrado en la mayoría de los casos.
En estos tiempos crees que se puede posicionar la plástica nacional a nivel de otros países latinoamericanos como brasil, argentina?
Creo que hay muy buenos artistas peruanos y de muy buen nivel.
Dinos que opinas de falta de espacios o galerías donde poder llevar adelante las muestras de los futuros artistas?
Ese es un tema largo, ahora existen mas espacios pero no suficientes, y de los que hay no manejan una apertura real y tiene un perspectiva sesgada de lo que es la creación plástica.

Entrevista por el Editor

ENTREVISTA A MIGUEL VELIT ANTES DE SU GIRA A CHINA

2007-10-17T10:43:00.000-07:00

Entrevista del Editor:Joseph De Utia

¿CUANTOS AÑOS LLEVAS EN LA ESCULTURA?

Además de llevar como 25 años a nivel profesional.

¿COMO ASI NACIO TU VOCACION DE ARTISTA?

Nació desde niño, se puede decir los 5 años cuando apenas dibujaba y se afirmó desde los trece años, cuando mi madre me llevo a un gran maestro. Empezaba a dibujar historietas y me apasionaba dibujarlas. Me identificaba con de la historietas mexicanas y de los superhéroes.

¿DE TUS EXPERIENCIAS, A PARTIR DE ESTOS VIAJES AL EXTERIOR, HUBO AVANCES EN TU OBRA?

En mi caso hubo muchos avances, porque yo fui estudiante y becado por Inabec cuando tenía 30 años en la facultad de Bellas Artes de la Plata Argentina, hablamos del año del 84 al 91. Allí conocí artistas de vanguardia, pero aprendí a tener una relación en la universidad de la vida. Cosas que las aprendí en la calle y que era mi eje, cosas que llamaban mi atención, es decir lo cosmopolita y lo urbano, esto me ayudo en mi carrera y lo que absorbí de ella me ayudo.

¿HABLANOS DE TU GIRA PROXIMA A FENGLIANG CHINA Y CENTROAMERICA?

En China voy a enseñar en un Centro de Arte Fegliang Art Collage, cerca de Shangai .allí enseño mañana tarde y noche, dibujo pintura y escultura. Es una escuela rural fuera de la zona urbana, pero con unos paisajes exóticos impresionantes en relación directa con la naturaleza y el arte. Es un proyecto que lo ha hecho un residente local a través de una ONG para beneficiar la comunidad de Wuning para que se aparten del mal camino, pues hay expectativa en esa comunidad, es un bachillerato dirigido hacia el arte.

¿EN EL CASO DEL SALVADOR?

Es un proyecto que es como una Bienal. Van artistas de Centroamérica, una Bienal de Escultura a manera de intercambio. Hay artistas que me conocen allí, pero es difícil sacar mi proyecto individual allá por ser un país pobre.

¿Y EN ARGENTINA TIENES PROYECTOS TAMBIEN?

Sí, también voy argentina El Bolsón, en Buenos Aires. Es un proyecto que se llama el Bosque Tallado, alternaré con escultores locales y de países vecinos, un proyecto para 7 artistas. Pero aquí hay mas recursos pues aquí hay mas auspicio diferente al del la Perú.

¿CREES QUE HAY VANGUARDIA EN EL CAMPO DE LA ESCULTURA EN TAIWAN CHINA?

Si bastante, pero más que todos para artistas asiáticos. Especialmente en obras publicas parte de la difusión de sus revistas de arte internacional que difunden muchos eventos en la cual tengo artículos allí también. La Bienal de Beijing y Shangai es un gran aporte a la modernidad.

¿Y EN VIETNAM TAMBIEN TE CONOCEN ALLI?

Es un punto importante para mí, será porque por allí hubo muerte guerra y memoria. Memoria por un pasado que inspira, pues es un sitio para que yo pueda crear, un espacio de reflexión que es mi aporte para ese pueblo.

¿TIENES ALGUN PROYECTO ALLI?

Tengo un proyecto al que llamare Espacio en la Memoria, es como un hombre acribillado por las balas y les lleva la reflexión para introspectivamente evitar la violencia. Pues en aquel lugar hubo una gran matanza inútil.

¿PREPARAS ALGUNA GIRA PARA EL 2008?
Mi gira para el 2008 Vietnam en mayo. A Miami al centro de Arte, pues viajo por otra escalera en escultura. Y otra en Irán en Teherán, pero lo más importante es que sido seleccionado en la bienal de Beijing en la categoría de Escultura en metal
El transporte es caro y haré la escultura en el colegio con mis alumnos con la chatarra y material en desuso que prepararé para la escultura.
¿CREES QUE EL TRABAJO DE LOS ESCULTORES LOCALES ESTA EN AUGE Y PREDOMINIO POR ENCIMA DE LOS ESCULTORES LATINOAMERICANOS?
A mi parece que la formación de los locales es buena, sobretodo en la Católica, en Bellas Artes también. Pues trabajan instalaciones que entran en la era de la modernidad. Pero es importante que viaje y que no se quede con los conocimientos de la universidad. A nivel de Latinoamérica, en mi opinión estamos en vanguardia. Destacan Benito Rosas, Lika Mutal, Alberto Guzmán, Alvaro Roca- Rey.
¿ES POSIBLE QUE EN ESTOS TIEMPOS SE PUEDA VIVIR DE LA ESCULTURA? ¿COMO LA PROMOCIONAS?
Te explico, que la escultura es algo que se puede vender como, pero pensar en hacer proyectos a si ganes dinero o no, es mantenerte vivo como artista, que en pensar en no ser nada lo cual demuestra que estaría muerto como artista.
Bueno en el Perú, en Lima, para poder sobrevivir hay que tener una parte creativa y una comercial para poder subsistir. Lo más importante de la obra es que se sea con materiales y con buenos acabados. Con un toque personal y creativo. De esta forma me solvento a mí y mi familia.
¿TE DEFINES COMO PINTOR O ESCULTOR?
Para mí la escultura y pintura son como dos amigos queridos, los quiero con la misma intensidad. Uno te hace trabajar el espacio como rompo el espacio, pero el dinero no alcanza y hacer con creatividad algo grande como el que hice en USA al recoger fierros residuales después del paso del huracán Katrina, esto fue mi espaldarazo en el mercado de USA para moverme como artista legal y con la visa que me extendieron y tener acá becas como ciudadano americano.
¿HA SIDO DIFICIL SER ESCULTOR?
En mi caso es difícil ser escultor, por que los sueños son de cosas inmensas para materializarlos en la realidad. La diferencia, es que yo busco críticos que me inflen como personas sino que mis obras hablan por mi mismo, mis obras son espectaculares y colocadas en sitios claves del mundo como Beijing Shangai, el parque Olímpico, Chile, Miami, Argentina , el Alto Boliviano en Bolivia, Francia, Rusia, Hungría, Emiratos Arabes, México. Pero lo mas verdadero donde esta mi obra, es la en la otra parte del mundo en China, obras de monumento de 15 metros la mas pequeña que se mueven con el viento algo así como esculturas eternas hechas con materiales sólidos.
¿TE SIENTES REALIZADO COMO ARTISTA?
Creo que los 45 años soy un artista, por más que he tenido muchas cosas en contar, creo que he sido fuerte, porque nadie puede aguantar tanto como yo. He sido fuerte en sus ideales. Es como ir solo contra el mundo. Creo que mi fortaleza mental, espiritual, lo adquirí de mi experiencia Buenos Aires y de quienes fueron mis maestros hombres fuertes, hombres que soñaban con sueños grandes, monumentales que se volvían realidad eso determinó mi escuela y lo que soy. Una dosis de intelectualidad como la poesía y el humor enriquece una escultura en los tiempos modernos de vanguardia neta.
Hay dos nombres en especial: Bruno Campaiolo, José Luis de Leo, maestros de Buenos Aires, Rubén Olosegui Isidro Gutierrez, ganadores de mas 50 premios en Argentina, su fortaleza e ideales como pensador y educador de los años 80 y 90 en la Ciudad de la Plata aportaron a mi carrera.

Galerista Claudia Polar - FORUM

2007-08-23T14:28:00.000-07:00

ENTREVISTA A CLAUDIA POLAR GALERIA FORUM

Por Jorge Castilla- Bambarén

Ha cambiado en algo el mercado del arte de Lima desde el año en que Ud. abrió su galería y ahora.?

Por supuesto, en el año 74 que se creó la Galeria Forum, existían Cuatro galerías, incluída Forum, Galeria 9, Trapecio, Ivonne Briceño y nosotras, el mercado realmente era muy incipiente, si se puede hablar de un real mercado, la gran diferencia con la actualidad es que los Bancos y Empresas grandes compraban arte y se crearon colecciones importantes como las de los Bancos, de Crédito y Continental, curiosamente cuando los bancos pasan a manos de peruanos se interrumpe el coleccionismo como política institucional. Creo firmemente, que las galerías que existíamos hemos contribuído muchísimo a crear un mercado de arte, aunque es todavía incipiente, ahora existe.

Cree Ud. que si hubieran mas galerías institucionales, auspiciadas por la empresa privada, nuestra escena artística y público evolucionarían.?

Creo que las galerías Institucionales que existen hacen una gran labor cultural, que si se habren mas, obviamente se ampliaría aún mas la visión, la oferta y la escena artística, lo que sería muy positivo.

Cree que hay alguna manera de atraer al público limeño con poder adquisitivo hacia ese coleccionismo y mecenazgo que es capaz de crear Centros Culturales con igual desprendimiento y altruismo que el existente en paises como Brasil, Argentina, Colombia etc.? Es cuestión de formación, ud. nombra paises como Brasil, Argentina y Colombia, que son paises decentralizados, culturalmente bastante mas avanzados que nosotros y con mayor poder adquisitivo que se ha visto reflejado en ese mecenazgo y buen coleccionismo existente. Aunque con nuestras propias limitaciones no quisiera dejar de mencionar a Mario Piacenza y Tecnoquímica como la casi solitaria en esa labor de mecenazgo tan necesario en nuestro medio. Sin embargo creo que algo hemos avanzado, sino hay que preguntar al Museo de Arte de Lima que vive gracias a contribuciones, aunque nunca suficientes. Hay que destacar la gran ausencia de un Museo de Arte Contemporaneo, que no existe precisamente por esas carencias y que definitivamente contribuiría muchísimo a la formación y crecimiento de ese coleccionsmo tan escaso en nuestro pais.

Ha notado Ud. si hay por parte de la prensa, un mayor interés en difundir las exposiciones y actividades artísticas.? O por el contrario, esa difusión se ha reducido en la actualidad.?
Si vemos los periódicos, la cultura es la cenicienta de la prensa, decididamente para ella, el deporte, la farándula, el chisme etc son mas importantes. Definitivamente, creo que en años pasados se tenía mas espacio para la cultura de la que se tiene ahora, sobre todo para las artes plásticas.
A que atribuye Ud. el que los Señores directores y dueños de diarios y canales de televisión en el Perú no hayan designado espacios fijos cotidianos para el arte a manera de las secciones dedicadas al futbol.?
El futbol es un deporte popular y taquillero, lo que no es el arte, la cultura no vende, pero si no le damos el peso educacional, de formación y crecimiento que él implica, jamás podremos avanzar en ese sentido ni crecer como pais.
Sabe Ud. si el público limeño compra por igual (proporcionalmente) el arte de creadores nacionales y el de extranjeros.?
El reducido mercado peruano en algo ha avanzado en este sentido, hoy día es un mercado bastante menos cerrado y el coleccionista compra por igual al peruano que al extranjero, siempre y cuando sea bueno, si viene acompañado de "fama" con mayor razón. Aunque natural y lógicamente compra más arte peruano que foráneo.
Considera Ud. que el internet le facilita las ventas de artístas peruanos en nuestro país y en el extranjero.? Si, No, Por qué.
Creo que el internet ayuda mucho en la difusión rápida de la imágen, sirve mucho como incentivo para la venta, más que la venta exclusiva a través de ella. Fuera del Perú está bastante mas avanzada la venta por internet que acá, pero decididamente hoy en dia es una herramienta indispensable en el movimiento artístico mundial.
Cree Ud. que en los tres próximos años nuestro medio artístico local y mercado galerístico darán un cambio y/o mejoría comercial? O por el contrario. Cree Ud. que todo seguirá igual o peor.?
En la medida que se avance en el crecimiento educacional, económico y social, el medio artístico y el mercado crecerán sin lugar a duda.

Galeria Forum
Av. Larco 1150, Miraflores Lima - Perú

http://www.galeriaforum.net

GALERISTA EDUARDO MOLL

2007-08-23T14:20:00.000-07:00

Por Jorge Castilla- Bambarén

Ha cambiado en algo el mercado del arte de Lima desde el año en que Ud. abrió su galería y ahora.?

Parece que ha mejorado algo, con los altibajos de siempre!

Cree Ud. que si hubieran mas galerías institucionales, auspiciadas por la empresa privada, nuestra escena artística y público evolucionarían.?
Por supuesto que sí.
Cree que hay alguna manera de atraer al público limeño con poder adquisitivo hacia ese coleccionismo y mecenazgo que es capaz de crear Centros Culturales con igual desprendimiento y altruismo que el existente en paises como Brasil, Argentina, Colombia etc.?
Seguramente que sí, comenzando con la educación artística en colegios y centros superiores.

A que atribuye Ud. el que los Señores directores y dueños de diarios y canales de televisión en el Perú no hayan designado espacios fijos cotidianos para el arte a manera de las secciones dedicadas al futbol.?
Un partido de fútbol internacional reune a 500 millones de personas.Una muestra de Picasso a 100 mil. No puede ni debe compararse.

Sabe Ud. si el público limeño compra por igual ( proporcionalmente ) el arte de creadores nacionales y el de extranjeros.?
De preferencia, artistas nacionales

Considera Ud. que el internet le facilita las ventas de artístas peruanos en nuestro país y en el extranjero.? Si, No, Por qué.

Pensé que iba a ser mejor el resultado. Casi nada en nuestro caso.

Cree Ud. que en los tres próximos años nuestro medio artístico local y mercado galerístico darán un cambio y/o mejoría comercial.? O por el contrario.Cree Ud. que todo seguirá igual o peor.?
Esperemos que mejore. Todo cambio dependerá de varios factores, entre ellos, la calidad de la oferta artística.

GALERIA DE ARTE MOLL
Av.Larco 1150-8 Miraflores

www.artemoll.com

ENTREVISTA A GALERISTA EN LIMA 2007

2007-08-22T13:12:00.000-07:00

GALERISTA MONY QUIMPER

GALERIA DE ARTE LA GALERIA

Entrevista por Jorge Castilla-Bambarén

¿Ha cambiado en algo el mercado del arte de Lima desde el año en que UD. abrió su galería y ahora?

Nuestra galería (la dirigimos María Ingunza de Rojas y Nora Ingunza de Quimper) comenzó a operar como LA GALERÍA DE BARRANCO el 4 de diciembre de1997 en el 2° piso de una casona catalogada como monumento histórico por el INC en el distrito de Barranco; nos mudamos a San Isidro en setiembre de 1999, por lo cual nuestro nombre quedó hasta la actualidad como LA GALERÍA. Son casi 20 años que estamos trabajando en el medio artístico, y si me pide que le analice que pasó durante este tiempo deberé comenzar por referirle que en 1997 estaba de presidente del Perú Alan García Pérez (su primer y desastroso período) y era una época especialmente difícil para el país – el terrorismo y la hiperinflación - eran parte de la rutina diaria. En cuanto al mercado del arte, había varias galerías en Lima muy establecidas con las cuales tuvimos que competir y con el correr del tiempo algunas optaron por cerrar sus puertas; nos perdimos la mejor época de ventas, sin embargo todavía quedaban algunos bancos y empresas interesados en defender su patrimonio y comprar arte, costumbre que fue languideciendo con el correr del tiempo debido en gran parte a la carencia de alicientes tributarios. A pesar de los problemas políticos, había liquidez y muchas ganas de invertir, los dólares americanos era la moneda comercial y la ventas fueron bastante buenas.
En el año 1990 irrumpe en nuestra escena política Fujimori… está demás comentarle lo mucho que golpeó su paquetazo económico, el día que salió por televisión Hurtado Miller, su ministro de economía, a anunciar las medidas económicas nosotros estábamos inaugurando la muestra de Enrique Galdos Rivas y fueron tiempos muy difíciles para todos. Siempre escuchamos a los políticos que el arte y la cultura de un pueblo son bienes muy preciados, pero con el correr del tiempo pudimos confirmar que los cambios no se darían en nuestro sector. Considero que lo más gravitante en nuestra escena plástica nacional ha sido la carencia de un Museo de Arte Contemporáneo. En 1999 el grupo del IAC (Instituto de Arte Contemporáneo de Lima) encabezado por Frederick Cooper lanzó una subasta con la intención de recabar fondos pro-museo; hubieron ventas, pero como siempre, no fue suficiente y el proyecto siguió dando tumbos hasta que finalmente ancló en el parque de Barranco (locación actualmente en litigio). Finalmente considero que el mercado del arte durante todos estos años se ha mantenido sin grandes estridencias, alimentado por necesidades decorativas en la mayoría de los casos y por contadas personas con afán de coleccionismo.

Cree UD. que si hubieran mas galerías institucionales, auspiciadas por la empresa privada, nuestra escena artística y público evolucionarían?

Siempre ayudaría que hayan mas galerías institucionales sin fines de lucro (la mayoría de galerías institucionales en nuestro país venden la obra en exhibición), básicamente considero que el cambio sólo se dará en función de que por el Perú pasen muestras de artistas internacionales y que las empresas apoyen auspiciando eventos artísticos, tales como Ferias Internacionales, Bienales y muestras en el extranjero, etc.

Resulta imprescindible que el estado incentive las adquisiciones a través de beneficios tributarios. En cuanto al público, puedo comentarle con certeza de que existe un gran público interesado en el arte, lamentablemente no son necesariamente un grupo pudiente.

No quiero sonar pesimista, solamente quiero ser realista y comentarle que estamos muy lejos de los países mencionados en los que se dan bienales importantísimas, existen ferias internacionales establecidas y capitales económicos fuertes y de larga data, que han permitido que coexistan mecenas y coleccionistas de primer nivel.

¿Ha notado UD. si hay por parte de la prensa, un mayor interés en difundir las exposiciones y actividades artísticas? ¿O por el contrario, esa difusión se ha reducido en la actualidad?
Existen medios escritos muy respetados tales como el diario EL COMERCIO, que puntualmente informan sobre las diversas actividades artísticas, a las cuales va nuestro eterno agradecimiento ya que brindan sin costo alguno para las galerías el material mas completo del medio en la Sección Luces, El Dominical, el cuerpo principal del diario o Perú 21. Además está Caretas que cuenta con una magnífica sección cultural y un poco más alejado esta La República y Expreso.
En cuanto a la televisión, solamente queda en pie el programa cultural del canal del estado dirigido por Ernesto Hermosa, Canal 6 a través de algunas producciones tales como Fulanos y Menganos, Los Polizontes o Oh Diosas que hacen entrevistas eventuales a artistas plásticos y dan información de actividades culturales.
Hubieron tiempos mejores en los que El Mundo, Oiga, Gestión y otros medios tuvieron espacios dedicados a informar permanentemente.
¿A que atribuye UD. el que los Señores directores y dueños de diarios y canales de televisión en el Perú no hayan designado espacios fijos cotidianos para el arte a manera de las secciones dedicadas al fútbol?
Respecto a El Comercio y Caretas, no tengo ningún reproche que hacerles, creo que los otros medios están supeditados al rating para conseguir anunciantes que puedan subvencionar sus propuestas y está en ellos el darles la atención debida.
¿Sabe UD. si el público limeño compra por igual (proporcionalmente) el arte de creadores nacionales y el de extranjeros?
Existe un nuevo grupo interesado en adquirir arte a artistas extranjeros, creo que es muy pretencioso establecer que es el público limeño el que compra arte extranjero. Es además importante aclarar que el precio de las obras de nuestros artistas locales es similar al de sus pares internacionales hasta en la generación intermedia, ya que los maestros internacionales tienen una cotización mayor debido a una mayor posibilidad de difusión y no necesariamente a una mayor calidad artística.
¿Considera UD. que el Internet le facilita las ventas de artistas peruanos en nuestro país y en el extranjero? Si, No, Por qué.
SI: Ya que el envío de imágenes y el trato directo y rápido hacen ciertas ventas más fáciles.
NO: Existen cada vez mas artistas jóvenes y medianamente jóvenes que tienen sus páginas y tratan desesperadamente de vender sus obras directamente, en el mercado internacional no está muy bien visto que los artistas busquen acercamiento directamente.
¿Cree UD. que en los tres próximos años nuestro medio artístico local y mercado galerístico darán un cambio y/o mejoría comercial? ¿O por el contrario. Cree UD. que todo seguirá igual o peor?
Nuestra actitud ha sido siempre muy positiva, después de tantos años en el medio artístico sería imposible que no apuntemos a una mejoría en el medio en el que nos movemos; nuestras metas no están necesariamente marcadas por los próximos 3 ó 5 años sino por el deseo de que los referentes de las generaciones venideras estén marcadas por el buen gusto, la estética y por una nueva sensibilidad hacia el arte y sus diversas manifestaciones, reconociendo en ello una mejoría en su calidad de vida.

LA GALERIA
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